¿Qué hora es? ¡Es la hora del arte!

Por: Roberta Bosco y Stefano Caldana | 24 de marzo de 2014 – Entrada original en EL PAÍS

“Everything always everywhere.com” de Rafaël Rozendaal en “FULL SCREEN”. Foto cortesía Xpo Gallery: Vincianne Verguethen.

El chascarrillo se iba difundiendo como un mantra entre el público que abarrotaba la Xpo Gallery de París el día de la inauguración de FULL SCREEN, la más reciente provocación del artista, activista y comisario alemán Aram Bartholl: una exposición colectiva que plantea el fin de la pantalla como la hemos conocida hasta ahora.
Vídeos, animaciones y proyectos de net.art, en total 12 obras de artistas tan célebres como el mismísimo Ai Weiwei y jóvenes creadores reconocidos como Evan Roth y Rafaël Rozendaal, se exponen simultáneamente en una pantalla desmesuradamente grande y en unos relojes inteligentes (smartwatch) que los visitantes puede llevar en la muñeca.

“Cada obra se presenta de forma independiente en un reloj de pulsera y al mismo tiempo todas las 12 piezas se alternan por dos minutos en una pantalla de grandes dimensiones”, explica al Silicio Aram Bartholl, para justificar su bizarra puesta en escena. La protagonizan unos relojes que han perdido su función originaria y que pese a ser de última generación, parecen anticuados por su tamaño y una pantalla gigante de diez metros de largo, apoyada en el suelo de la Xpo Gallery, que con sus dimensiones exageradas llega a crear un efecto pixelado en el que prácticamente se pierde la calidad y la definición de la imagen.
“Las pantallas desaparecerán pronto como objetos físicos para ser reemplazadas por una luz láser proyectada directamente en la retina del ojo. Los píxeles hacinados en un rectángulo serán historia igual como la pintura al óleo es historia al día de hoy”, indica Bartholl, que ha realizado una selección de obras audiovisuales originariamente concebidas para soportes y presentaciones distintas de la pantalla tradicional.

Entre los 12 participantes de FULL SCREEN, la estrella internacional es el artista y disidente chino Ai Weiwei, un creador que se ha enfrentado al silencio y la censura que le imponía gobierno chino armado del enorme eco que le podía ofrecer una plataforma como Internet. Una cuenta en Twitter con más de 240.000 seguidores y sendos proyectos en la red como la WeiweiCam o Moon, realizados con la colaboración de Ólafur Elíasson, demuestran hasta qué punto Ai Weiwei utiliza la red. En la Xpo Gallery el artista presenta Dumbass, un vídeo musical de cinco minutos de duración que ha tenido una fuerte repercusión en YouTube, creado en colaboración con el músico Zuoxiao Zuzhou. Dumbass es uno de los temas que componen el álbum The Divine Comedy, que se publicó para celebrar el segundo aniversario de la liberación de Weiwei después de 81 días de reclusión.

Entre las demás obras, todas más estrechamente relacionadas con el medio digital, destacan propuestas muy logradas como el reloj de arena digital de Vincent Broquaire. Minute after minute escenifica unas animaciones digitales que cuestionan como nos enfrentamos a los dispositivos electrónicos y el significado del tiempo y la materia cuando se trabaja con soportes digitales. Es un reloj también Sémantique du présent non exhaustif de Paul Souviron, donde la manecillas han sido sustituidas por símbolos religiosos y emblemas de sociedades secretas.

Conocida por sus performances en la red, delante de una webcam, que recuerdan los trabajos de Alex Bag y Pipilotti Rist, la californiana Petra Cortright presenta Buggin out, un vídeo de solo dos minutos, “porque –afirma ella– nadie aguanta más que eso”. En Buggin out como de costumbre, actúa dejándose mirar, coqueteando con el espectador y manipulando su imagen modificando el tamaño de sus ojos en tiempo real como si fuera un dibujo manga o un lienzo de Margaret Keane.

“The Sleeping Sunset” de Constant Dullart. Foto cortesía Xpo Gallery: Vincianne Verguethen.

El net.artista francés Constant Dullart participa con una animación inspirada en su proyecto para la web The Sleeping Internet, donde el buscador de Google oscura rítmicamente la navegación simulando el proceso de pausa de un ordenador Apple. En The Sleeping Sunset sucede lo mismo a partir de una imagen que ha circulado en las redes sociales y los medios de comunicación el pasado mes de enero y que finalmente ha resultado ser falsa. Esta imagen logró dar a conocer de manera viral que el gobierno chino hacía frente a la espesa capa de contaminación de Pekín permitiendo ver a sus ciudadanos los amaneceres en una pantalla gigante en la plaza Tiananmen.

“Aztec Ballad” de Raquel Meyersen en “FULL SCREEN”. Foto cortesía Xpo Gallery: Vincianne Verguethen.

 

“La reciente evolución de las tecnologías informáticas sugiere una inminente extinción de las tradicionales pantallas físicas, poniendo de relieve la necesidad de dar una respuesta a cómo se presentarán en el futuro las obras concebidas para ser proyectadas”, reflexiona Bartholl, un artista que lleva ya una década rompiendo esquemas con sus exposiciones alternativas. Desde que descubrió lo interesante que podía ser empotrar una memoria USB en una pared, se ha dado a conocer por curiosas iniciativas como los DVD Dead Drop, exposiciones para llevar que el público podía conseguir introduciendo un DVD virgen en una grabadora empotrada en una pared del Museum of the Moving Image de Nueva York o los Speed Show, exhibiciones extemporáneas de net.art en cibercafés que duraban menos de un día o la controvertida muestra de 2013 con obras de net.art offline, en la misma Xpo Gallery de París.

“Everything always everywhere.com” de Rafaël Rozendaal en una pantalla gigante. Foto cortesía Xpo Gallery: Vincianne Verguethen.

Entre los artistas más conocidos de FULL SCREEN no podía faltar el ubicuo Rafaël Rozendaal con everything always everywhere.com, una de sus típicas páginas web abstractas y coloreadas. Falta poco para que Rozendaal alcance los 100 ejemplares de su numerosa y afortunada serie de piezas sencillas y eficaces, que luego vende como si se tratara de lienzos digitales en la red.

Evan Roth regresa con un nuevo proyecto de net.art, que cuestiona las leyes estadounidenses creadas para proteger el derecho de autor hasta 70 años después de la muerte de un creador. En christopher-george-latore-wallace.com, Roth presenta un reloj de cuenta atrás del tiempo, para poner en evidencia que el trabajo artístico del rapero Christopher George Latore Wallace, conocido como The Notorious BIG, no será del dominio público antes de 2067. Este proyecto pone en tela de juicio las leyes del derecho de copia, que protegen exclusivamente la industria musical y al día de hoy resultan obsoletas, aún más teniendo en cuenta que la cultura de la remezcla fue inventada por la propia escena rap.

“Obras para llevar” en “FULL SCREEN” (Paul Souviron, Sara Ludy y Jennifer Chan). Foto cortesía Xpo Gallery: Vincianne Verguethen.

La selección se completa con propuestas de Jennifer Chan, Oliver Laric, Sara Ludy, Raquel Meyers y Addie Wagenknecht, que sorprenden por su puesta en escena, ya que no suele ser habitual ver el público mirar una obra en un reloj de pulsera. “Vamos a celebrar las buenas y viejas pantallas mientras aún las tenemos. Perdone, pero ¿sabe qué hora es?”, concluye Bartholl.

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El primer barco de Madrid zarpará desde Medialab-Prado

Por: Roberta Bosco y Stefano Caldana | 20 de enero de 2014 – Entrada original en EL PAÍS

“Polizone” una instalación interactiva de INTACT Project que vincula telemáticamente la capital con Donostia y Montreal. Foto: Maku López.

Amarrado en la Sala Alameda del Medialab-Prado, un barco muy especial levará anclas esta semana. “Estamos listo para una travesía llena de peligros pero sobretodo muy emocionante”, aseguran Sara Malinarich y Manuel Terán de INTACT Project, que coordinarán una tripulación compuesta por más de veinte artistas. Polizone es al mismo tiempo una instalación interactiva y un barco telemático, recreado hasta el mínimo detalle gracias a las nuevas tecnologías. Sus 15 metros de longitud soltarán amarras a las 19 horas del próximo miércoles 22 de enero, para navegar entre grandes pantallas en un mar de código binario, embravecido por viento y olas digitales. El público presencial podrá participar activamente en un experimento creativo, que se puede definir una acción telecompartida en tres nodos. Por ello en el Medialab de Madrid convergerán aportaciones sonoras y elementos audiovisuales, procedentes en tiempo real de las otras dos sedes del proyecto: el Centro de Arte Contemporáneo Arteleku de Donostia-San Sebastián y el laboratorio Matralab de la Concordia University de Montreal (Canadá).

Polizone es la tercera y última fase del proyecto Huésped, una apuesta muy atrevida y quizás la obra basada en técnicas de telepresencia más compleja que nunca se haya realizado. Con telepresencia nos referimos a modificaciones y manifestaciones en un espacio real que se controlan a través de la red con herramientas informáticas. Aunque sea en el ciberespacio, todo viaje que se respete comienza con una salida, así que quien quiera participar en el estreno tendrá como única oportunidad este miércoles 22 de enero aunque el Medialab-Prado ofrecerá el evento en la red a través de una retransmisión en streaming.

“Polizone”. Detalle del Faro robótico controlado desde Donostia. Fotografía: Maku López.
Todo arrancará con la entrada en escena de una performer, María Alba, que representará un viajero imaginario cargado con un maletín, algo así como un “nodo de telepresencia artística móvil”, que consta de tres placas de Arduino, cuya función será activar los demás recursos audiovisuales repartidos por la Sala Alameda. El suelo cobrará vida gracias a unas proyecciones que plasmarán las olas del mar, que serán a la vez la cubierta del barco y podrán ser observadas también desde la planta cero del Medialab-Prado, donde al mismo tiempo actuarán los músicos de En Busca Del Pasto. “Estas proyecciones se controlarán desde Donostia y darán vida a un mar interactivo que se transforma en tiempo real por efecto de un sensor biométrico que mide las pulsaciones cardíacas de un farero”, explican al Silicio, Sara Malinarich y Manuel Terán aludiendo a Jaime de los Ríos, que desde Arteleku y con la colaboración de Daniel Tirado controlará el faro. Este último es un elemento robótico dotado de un espejo que reflejará en toda la sala una proyección del artista madrileño Juan Cedenilla a.k.a Whoun. “Jaime de los Ríos tendrá una linterna de LEDs colocada en un ojo. Su rostro se proyectará en un lateral de la Sala Alameda y según mueva la luz por la pantalla, el faro se moverá de forma equivalente”, explica Malinarich para aclarar como controlarán desde Donostia el faro robótico ubicado en Madrid.

 

“Polizone”. Un mar de código binario, embravecido por viento y olas digitales. Fotografía: Maku López.

El barco de Medialab-Prado dispone también de un timón del escultor Javier Pérez Aranda, colocado en la popa y de una vela que se utilizará como pantalla para visualizar una proyección creada en tiempo real por Alexandre Berthier. Estos dos elementos serán tele-controlados desde el Matralab de Montreal por Alexandre Berthier, con la colaboración de Fred Tremblay. Los movimientos del timón harán girar físicamente la vela, sincronizando los movimientos del barco con el paisaje virtual por dónde navega.
“Al mismo tiempo desde Montreal el compositor Michal Seta enviará música en directo, cuyo nivel de intensidad sonora hará variar la fuerza de seis ventiladores, que inflarán la vela y darán velocidad al avance del barco, en relación a una proyección interactiva en 3D de Abraham Manzanares, situada en frente del Polizone”, indican Malinarich y Terán. Los temas de Michal Seta junto con la música realizada en Medialab por En Busca Del Pasto, contribuirán a controlar la velocidad de navegación. En Montreal el público será sólo espectador, mientras que en Madrid podrá participar animado por el músico brasileño Diego Ain en una jam session, que también influirá sobre la velocidad del barco.

“Polizone” en la Sala Alameda de Medialab-Prado. Infografía: ZNN de Jorge Ruiz Abánades.

En definitiva Polizone es una grande instalación telemática, donde convergen en tiempo real datos locales y remotos que van definiendo una escenografía audiovisual y sonora, a través de un complejo sistema de pantallas y elementos robóticos. Todos los dispositivos han sido diseñados y programados por Manuel Terán, fundador de INTACT Project (Interfaz para la Acción Telecompartida) con Sara Malinarich, una pareja de artistas interdisciplinarios, originarios de Chile y afincados en Madrid, que están alterando el concepto de arte interactivo y telepresencia mediante una investigación pionera: el proyecto Huésped, del que Polizone representa la tercera y última fase. Su objetivo es añadir componentes de interacción física a la telepresencia con el fin de convertirla en una experiencia multisensorial, que permita llevar a cabo acciones artísticas telecompartidas, en las que intervienen varios creadores ubicados en lugares lejanos entre ellos.

Manuel Terán y Sara Malinarich (INTACT Project) en Medialab-Prado, Madrid.

“Queremos sentar las bases de una telepresencia participativa, inmersiva e interactiva, que funciona en distintos niveles al mismo tiempo, en la que tiene especial importancia el contenido y la dramaturgia”, aseguran Malinarich y Terán. La primera fase del proyecto Huésped tuvo lugar el pasado mes de marzo entre el Centro de Arte Arteleku de Donostia y el Centro de Innovación BBVA de Madrid. En aquella ocasión se testó un sistema de control vía web con una intervención, durante la cual se manipularon y desplazaron objetos a distancia mediante los impulsos enviados a través de un casco de ondas cerebrales.
La segunda fase tomó forma en Madrid, el pasado verano, con la presentación de Overflow. Una nota de suicidio, una videoperformance que, bajo el lema “sensorización de la pantalla”, materializa el acto de provocar fuego a distancia. A partir de esta segunda fase se estableció en Madrid un nuevo nodo del proyecto, el nodo Medialab-Prado, que a través de una convocatoria abierta ha llevado a la creación de Polizone.

Huésped es un proyecto totalmente autofinanciado, que ha conseguido superar las dificultades inherentes a los proyectos colaborativos e implicar varios centros internacionales. “Esta pieza ha servido para poner en práctica un nuevo modelo de trama o guión al que llamamos dramaturgia vertical, en el que no sólo están sucediendo cosas simultáneamente, sino que interactúan entre ellas a distancia, realizando modificaciones sustanciales de los espacios. Un proceso que lleva a desentrañar una nueva clase de dialéctica, vinculada a la transformación metafórica que sufren las señales”, explican Malinarich y Terán, refiriéndose a cómo, por ejemplo, el sonido creado en la performance se transforma en viento y fuerza motriz del barco.

“Polizone” de INTACT Project se estrena el miércoles 22 en Medialab-Prado. Foto: Maku López.

Desafortunadamente este formato de obra es algo que acontece sólo en un momento determinado. Al tomar vida gracias a las aportaciones conjuntas de muchos artistas, Polizone es una experiencia que no puede ofrecerse de forma permanente durante un periodo como una instalación artística corriente. Por lo tanto se podrá disfrutar en Madrid sólo el miércoles 22, desde las 19 horas hasta el cierre del Medialab-Prado a las 21 horas. ¿Qué más podemos decir? Es un barco y quien quiere participar en el viaje tan sólo tiene que llegar antes de su salida y no hace falta sacar billete, porque el evento es gratuito hasta llenar el aforo.

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Canarias: una hora menos y diez años adelante

Por: Roberta Bosco y Stefano Caldana | 25 de noviembre de 2013 – Entrada original en EL PAÍS

The Vein ‘Magma’ de Dvein, una de las propuestas del 3D Futura Show (Art Futura Festival).

La quinta edición de Espacio Enter, el Festival Internacional de Creatividad, Innovación y Cultura Digital, que se inaugura el 29 de noviembre en Tenerife, vuelve a definir una tendencia ineludible en el marco de los programas expositivos. A lo largo del último año para hacer frente a la contingencia de crisis, las grandes capitales culturales han preferido asentarse en los valores seguros y el arte convencional, mientras que la periferia sigue apostando por el arte digital y electrónico. En la línea de centros como LABoral de Gijón, MEIAC (Museo Extremeño e Iberoamericano de Arte Contemporaneo) de Badajoz o la Alhóndiga de Bilbao, también el TEA (Tenerife Espacio de las Artes) apuesta desde la periferia, por las dinámicas de red y los nuevos públicos que no deben necesariamente estar en Canarias para disfrutar del todo de la programación de Espacio Enter.

La edición 2013 demuestra una vez más como Tenerife adelanta la mayoría de los centros de arte contemporáneo nacionales, ofreciendo una oportunidad única para descubrir las últimas producciones digitales de los cinco continentes. Toda la programación, de aforo libre y gratuito, reúne trabajos audiovisuales de artistas como Zaha Hadid, Vincent Morriset o Paul Friedlander y selecciones procedentes de los principales festivales nacionales e internacionales como el Festival Art Futura de Montxo Algora que lleva el 3D Futura Show, el Japan Media Arts Festival y el Ars Electronica Festival, organizado por el homónimo centro de Linz (Austria) solo para citar algunas de las entidades que han trasladado a Tenerife parte de su programa expositivo.

Además Espacio Enter presentará un conjunto de proyectos seleccionados por los directores y comisarios de los festivales que intervienen en la edición 2013, a partir de una convocatoria internacional muy atrevida y abierta a disciplinas a menudo insólitas. Así que, junto con categorías ya clásicas como Videoarte, Animación y Net.art, destacan disciplinas como Nanotecnología, Geospatial storytelling o Arte Transgenico. La oferta del evento, que alcanza los 345 proyectos de 20 países, cuenta también con un apartado dedicado a la creatividad autóctona de las Islas Canarias.

Hay que matizar, que debido a la crisis, en esta edición no se han podido materializar soluciones expositivas como fue en los años anteriores. “Se trata de un proyecto que tiene dos vertientes. La primera es física y es constituida por las proyecciones en TEA, mientras que la segunda consiste en la difusión de proyectos artísticos a través de la web. Por tanto no habrá instalaciones, sólo proyecciones en el Auditorio de TEA y unos ordenadores para los proyectos interactivos”, explican los creadores de Espacio Enter, Montse Arbelo y Joseba Franco, recordando la célebre cita de Albert Einstein “En los momentos de crisis sólo la creatividad es más importante que el conocimiento”.

Volviendo a la programación evidentemente la selección audiovisual es de primera y lo mejor es que sin necesidad de estar en Tenerife, es posible disfrutar de una gran variedad de propuestas tan sólo buceando en la web del festival. Entre los protagonistas destaca Forms, una video animación de Quayola, que se presenta por primera vez en España. En Forms, el artista de origen italiano investiga cómo esculpir formas abstractas a partir de los movimientos del cuerpo de los atletas en las competiciones olímpicas.
Realizado con la colaboración de Memo Akten, el proyecto, que se inspira en los trabajos cubistas de Marcel Duchamp como Nude Descending a Staircase No.2, acaba de ganar el prestigioso Golden Nica por la mejor Computer Animation, en la última edición de los PRIX del Festival Ars Electronica de Linz.

Estas animaciones, a mitad entre abstractas y figurativas, surgen de un estudio de los movimientos que los atletas realizan durante sus ejercicios, a través del software que Quayola lleva años desarrollando y aplicando en distintos campos, como pueden ser la reinterpretación visual y espacial de lienzos clásicos y composiciones sonoras.

En la edición de 2013 de Espacio Enter destaca también un programa especial de la artista islandesa Björk, en colaboración con el Streaming Museum de Nueva York y una amplia selección de videojuegos artísticos. Por un lado tenemos las propuestas seleccionadas a través de la convocatoria pública y por el otro unos invitados especiales como MediaDome y el laboratorio de creación Serious Games (MCDEM) de La Salle (Universidad Ramón Llull) de Barcelona con tres proyectos que mezclan entretenimiento, cultura y gestión. Finalmente los argentinos de Game on! llevan entre más propuestas A Rabbit Fable de Santiago J. Franzani, la inquietante y onírica aventura de un conejo por habitar la tierra que siempre soñó.

Por lo que se refiere a las obras de net.art, seleccionadas a través de la convocatoria pública, nos ha llamado la atención The Loin del estadounidense Jürgen Trautwein en colaboración con Silvia Nonnenmacher. Se trata de unos cortos instantáneos o mini-documentales que se plasman en unos GIFS animados sobre The Loin, un barrio de San Francisco (California), caracterizado por pobreza, drogadicción, trastornos mentales y una densidad muy alta de personas sin hogar.

“Overflow. Una nota de suicidio” de de INTACT Project (Sara Malinarich y Manuel Terán).

Entre las numerosas propuestas que han sido seleccionadas en los demás apartados de la convocatoria, se encuentran muchos conocidos de las páginas del Silicio, como Sara Malinarich y Manuel Terán con Overflow. Una nota de suicidio, una rompedora investigación sobre la creación audiovisual a través de la telepresencia y David Guez con Camara 2067, que envía instantáneas al futuro. En el evento participa también Discursos para el final de los tiempos (DFT) de Mario Santamaria, un proyecto de net.cinema o una película experimental online, según se vea, disponible en sesiones continuas las 24 horas del día y los siete días de la semana, que toma forma a partir de las transmisiones de cámaras de vigilancias de medio mundo.

“Son momentos difíciles en el terreno cultural y nosotros desde Artechmedia tuvimos que asumir y financiar gran parte del evento, para mantener el festival como oferta cultural en Tenerife con entrada gratuita” explican al Silicio Montse Arbelo y Joseba Franco, que en 2005 fundaron la organización cultural internacional sin ánimo de lucro Artechmedia.

Un submarino digital

Por: Roberta Bosco y Stefano Caldana | 03 de octubre de 2013 – Entrada original en EL PAÍS

“Beatles Electronique” de Nam June Paik. Courtetsy Electronic Arts Intermix (EAI), New York.

¿Qué tienen que ver los Beatles con el arte electrónico y digital? Poco o mucho según se mire y como ya percibimos el desconcierto de nuestros fieles lectores más acostumbrados a seguir el Silicio por sus artículos sobre proyectos new media habrá que matizar porque estamos escribiendo sobre la mítica banda de Liverpool. Esta semana el diario EL PAÍS se vuelca en la celebración de los 50 años de la publicación de Please Please Me (1963), el primer álbum del cuarteto y nosotros hemos sido involucrados en esta conmemoración con el objetivo de dar a conocer cómo han influido los Beatles en las obras de los artistas más vanguardistas de nuestros tiempos.

En tan solo diez años, hasta su disolución en 1970, los Beatles han establecidos diversos puentes con la escena artística de su época. Antes de inspirar muchos otros creadores los Fab Four mantuvieron una relación privilegiada con una artista vinculada a la escena más experimental como Yoko Ono y fueron seducidos por muchos autores de su tiempo como Karlheinz Stockhausen y sus experimentaciones sonoras que homenajearon en la portada del álbum Sgt. Pepper’s Lonely Hearts Club Band (1967), donde el compositor alemán aparece en la primera fila del fondo, quinto desde la izquierda, junto con otras celebridades.

Los vínculos entre los Beatles y la escena del arte electrónico se establecen ya en la década de 1960 cuando Nam June Paik (1932 – 2006), considerado el padre del arte basado en las nuevas tecnologías, les dedica Beatles Electronique (1966-69), un vídeo de tres minutos de duración, donde manipula visual y electrónicamente una actuación de los Beatles, que se retransmitió en directo. Beatles Electronique se realizó con algunas de las herramientas de Paik anteriores a la invención del célebre vídeo sintetizador, creado en colaboración con Shuya Abe.

El mismo Paik volvió sobre el tema con Video Commune. Beatles from beginning to end (1970), la primera performance interactiva para la televisión, realizada en colaboración con Jud Yalkut a partir de un concierto que se transmitió en directo desde la estación WGBH de la televisión pública de Boston. La obra constituye una evidencia más de la popularidad que la que gozaban y siguen gozando los ‘cuatro fabulosos’ en la cultura de los países orientales.

Hasta el punto que el año pasado una banda robótica formada por cuatro Hubos, unos robots humanoides originarios de Corea, que se hicieron muy populares en la red (sigh) de la mano del Music & Entertainment Technology Laboratory (MET-lab) de Filadelfia, lanzó a través de YouTube su peculiar versión de Come Togheter.

Volviendo a las experiencias más afines a la escena que solemos tratar en el Silicio, no hay que olvidar el ruso Alexei Shulgin, artista pionero del net.art y particularmente activo en la década de 1990, capaz de convertir su laboratorio online Easylife, a lo largo de casi dos décadas, en uno de los espacios más vanguardistas y provocadores de su tiempo.
Uno de sus proyectos más célebres, 386 DX de 1998, oscila entre una irónica performance y un genial experimento de reciclaje creativo, que reflexiona sobre la rápida obsolescencia de la tecnología. En 386 DX, Shulgin convierte un 386, un viejo microprocesador Intel de 1985, en la “primera banda rock ciberpunk”, que reinterpreta los clásicos del rock mediante un software para la vocalización de textos. Al principio el ordenador cantante se exhibió como si fuera un mendigo pidiendo limosnas en las equinas de las calles al ritmo de California Dreaming de The Mamas & The Papas. Sin embargo pronto, vistas sus potencialidades, el proyecto se convirtió en un concierto performance, protagonista de una gira que llevó el histriónico creador ruso por medio mundo a lo largo de casi una década. Inolvidable, la rompedora actuación en el festival barcelonés Sónar de 2002 donde como de costumbre con un teclado de ordenador en lugar de una guitarra, Shulgin acompañaba la melancólica voz del 386 DX, interpretando los temas más inolvidables de The Doors, The Who o Nirvana.

Entre tantos éxitos no podía faltar alguna canción versionada de los Beatles. A pesar de que Shulgin solía interpretar Yesterday, en la red tan solo hemos conseguido encontrar un vídeo grabado en el Read_Me Festival de Moscú (2002), donde en el minuto 22 se puede escuchar el tema Imagine, una de las piezas más célebres de John Lennon.

Es de 2008 la obra Let It Bleed (Left) Let It Be (Right), The Stones And The Beatles Getting Tweaked At The Same Time del popular artista y compositor japonés Yoshi Sodeoka. Se trata de un vídeo musical que se construye a partir de dos temas míticos, por un lado Let It Be de los Beatles y por el otro Let It Bleed de los Rolling Stones, desestructurados en fragmentos que Sodeoka ha remezclado en dos canales de audios separados.



“Muchos creen que esta canción (Let It Bleed) se realizó a partir del álbum de los Beatles Let It Be. En cambio Let It Bleed fue lanzado meses antes de Let it Be, aunque hay que admitir que la mayoría de las canciones de Let It Be se grabaron antes que la mayoría de los temas de Let It Bleed”, explica Sodeoka. Su creación caótica y casi psicodélica es una verdadera celebración de una época, así como de la música y los misterios que permearon la vida y la rivalidad entre los dos grupos británicos.

Uno de los proyectos más recientes de nuestra selección es The Beatles in Hamburg, creado por Jorn Ebner en 2011 con la colaboración del departamento de Cultura de la ciudad de Hamburgo. Además de un libro CD publicado por la editorial The Green Box de Berlín, el proyecto se estructura alrededor del homónimo sitio web, donde es posible escuchar y descargar cada día uno de los once temas que componen el CD. Estos temas, que representan una imagen sonora de Hamburgo, pueden experimentarse en vivo en la ciudad alemana a través de códigos QR y en la web del proyecto navegando en el mapa que indica dónde ha sido grabado cada fragmento. Las localizaciones se eligieron a partir de los lugares donde los Beatles estuvieron cuando a comienzo de la década de 1960 pasaron por Hamburgo.

Para cerrar os dejamos con la webcam de los Abbey Road Studios. No es un proyecto artístico propiamente dicho, pero resulta bastante curioso: algo así como un salto telemático a través de una webcam, que retransmite las 24 horas del día los automovilistas londinenses intentando desenvolverse en el tráfico sin atropellar los turistas que no paran de posar para una foto recuerdo en medio del paso de cebras probablemente más famoso del mundo.

Unos prismáticos para ver el mundo desde Madrid

Por: Roberta Bosco y Stefano Caldana | 09 de septiembre de 2013 – Entrada original en EL PAÍS

“Binoculars to …and binoculars from…” de Mar Canet y Varvara Guljajeva en Helsinki.

No poder viajar a Linz para el Festival Ars Electronica, no significa que no se pueda estar allí aunque sea de forma telemática. Lo demuestra Binoculars to …and binoculars from…, la nueva instalación interactiva de los inagotables Mar Canet (Barcelona, 1981) y Varvara Guljajeva (Tallin, 1984), que representa una alternativa para todos aquellos que quieran echar una mirada a la ciudad de Linz desde España y más concretamente desde el centro de Madrid.

Producida por el FACT Liverpool (Foundation for Art and Creative Technology), la obra conecta de manera bidireccional nueve ciudades del mundo por medio de unos prismáticos muy parecidos a los que instalan en los miradores turísticos para poder contemplar el paisaje.

Como hemos dicho para disfrutar de esta pieza desde España, hay que estar en Madrid y precisamente en el centro de arte Medialab-Prado, donde Canet y Guljajeva han colocado uno de los nueve terminales, que funcionan en tiempo real y de forma bidireccional con otras ocho instalaciones, ubicadas en las ciudades de Linz (Ars Electronica Center), Liverpool (FACT), Melbourne (Fed Square), Helsinki (m-cult), Bruselas (iMAL), Riga (Riga 2014), Berlín (CHU) y Dessau (Bauhaus).

“Binoculars to …and binoculars from…” en el FACT (Foundation for Art and Creative Technology) de Liverpool.

La pieza se compone de unos binoculares y una gran pantalla, dos elementos que se repiten en los terminales instalados en cada una de las nueve ciudades. El funcionamiento es simple. Gracias a un mando, el usuario puede elegir la ciudad que quiere observar y al apretarlo visualiza de inmediato a través de los propios prismáticos una panorámica de la localidad escogida, retransmitida en directo por una videocámara. Además los binoculares disponen en su interior de un dispositivo que captura el movimiento de los ojos del observador y los retransmite en la ciudad de destino, proyectándolos en una pantalla gigante, que revela a los transeúntes remotos, quien les está observando desde lejos.

Binoculars subraya las ideas de Marc Auge sobre el exceso de tiempo y espacio: mientras estás en un lugar, eres capaz de viajar y aparecerte en un lugar totalmente diferente en cuestión de milisegundos”, explicó Mar Canet al Silicio, destacando que la pieza funciona en tiempo real con vídeo streaming y ha sido realizada en su totalidad con tecnología de código abierto.

“Binoculars to …and binoculars from…” en Melbourne (Fed Square).

Binoculars to …and binoculars from… se puede definir un juego a dos bandas entre observados y observadores, donde no está bien claro quién espía a quien. Aunque se estrenó en el marco del Festival Ars Electronica se trata de una iniciativa de Connecting Cities, un festival europeo dirigido por la comisaria alemana Susa Pop, que involucra en eventos conjuntos diversas instituciones y centros de arte de toda Europa. La instalación permanecerá y seguirá funcionando en el Ars Electronica Center (y las demás ciudades) hasta octubre, mientras que el Festival se clausura hoy lunes 9 de septiembre.

“Binoculars to …and binoculars from…” en el Ars Electronica Center de Linz.

Al comienzo de este artículo les definimos inagotables, porque parece que en el último año Mar Canet y Varvara Guljajeva se han seriamente planteado convertirse en los artistas de las arte digitales y electrónicas más fecundos e incansables de España. Un país que últimamente han pisado más bien poco, si pensamos que acaban de producir Binoculars en el FACT de Liverpool, tras participar en el SP_Urban Digital Festival de São Paulo (Brasil) y presentar en el Make Fair UK su tricotosa digital (Knitic), que el pasado verano en el festival Sónar de Barcelona evolucionó en un instrumento que puede ser controlado con ondas cerebrales.

Hay que recordar también que Mar Canet es miembro del colectivo artístico Derivart, autor, en colaboración con Gerald Kogler y Jordi Puig, de Casas Tristes, que este año ha recibido una mención de honor en la categoría Comunidades digitales en los PRIX del Ars Electronica Center, los premios que el centro de arte austriaco concede anualmente a los mejores proyectos surgidos en el marco de las artes electrónicas y digitales.

Casas Tristes es un proyecto lanzado en 2007 como una base de datos online, que pide la colaboración de la ciudadanía para detectar los pisos vacíos o en desuso. “El proyecto, que tiene como punto de partida la detección y localización de inmuebles en desuso y nace con el objetivo de proponer soluciones a la problemática de la vivienda en España”, explican sus creadores, asegurando que “pronto se ha convertido en una plataforma para la reflexión sobre el problema del acceso a la vivienda abierta a la participación de los ciudadanos”.

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