Recorridos creativos virtuales para una ciudad real

Por: Roberta Bosco y Stefano Caldana | 14 de julio de 2014 – Entrada original en EL PAÍS

“Golpe de Flores” de Manel Bayo transforma las fachadas de diferentes edificios de Girona, llenándolas de luz, color y sonido.

Más allá de los atractivos conocidos, existe una inesperada Girona creativa que, por segundo verano consecutivo, sale a la calle gracias a una innovadora iniciativa del Centro de Arte Contemporáneo Bòlit. La idea es acercar los contenidos expositivos al público, sacándolos de las paredes del museo, como ya se hizo el año pasado con los itinerarios sonoros geolocalizados de Viaje extra-ordinario, que se podían descubrir y escuchar a través de una aplicación para móviles. En cambio, este verano Filtres APPart se plantea como una exposición que se puede disfrutar de dos maneras diferentes: físicamente visitando las obras instaladas en la Sala Fidel Aguilar del Bòlit_LaRambla, el hall de cuatro hoteles y la vía pública, y virtualmente a través de una aplicación gratuita para dispositivos móviles.

Comisariada por Sol Riera, Filtres APPart es una exposición que despliega las obras de Manel Bayo, Bussoga (Irina Grosu y Josep Motas), Mar Serinyà y David Ymbernon, a través de cuatro recorridos creativos, pensados para redescubrir la ciudad de Girona. “Cada uno de los artistas reflexiona sobre diferentes rincones urbanos, a partir de una mirada y un estilo concretos, con la intención de atrapar aquellos detalles que a menudo pasan inadvertidos en el entorno cotidiano”, explica Sol Riera. La muestra, que se presenta simultáneamente en distintos espacios de la ciudad, se mantendrá abierta hasta finales de agosto. Sin embargo su duración puede alargarse indefinidamente a través de los contenidos que proporciona la homónima aplicación, desarrollada para dispositivos iOS y Android por IKrapps, la empresa creativa del artista e investigador catalán Kenneth Russo.
“Desde la aplicación se puede acceder a los cuatro recorridos creados por los artistas y a toda la información relativa a la exposición. Si te encuentras en Girona y quieres hacer uno de los recorridos, tienes la opción de indicar a la aplicación tu ubicación para que cuando te encuentres en un punto clave del trayecto, te pueda ofrecer la opción de ver los archivos relacionados. Dependiendo del artista pueden ser vídeos, imágenes, sonidos o textos”, añade la comisaria.

Entre las propuestas destaca Golpe de Flores de Manel Bayo, una reflexión sobre la apariencia de la ciudad, el embellecimiento de lo decadente y los diversos usos de los entornos urbanos. La obra se compone de un vídeo y cinco fotografías, que transforman las fachadas de diferentes edificios de Girona, llenándolas de luz, color y sonido. “Gracias a la aplicación puedes acceder al material audiovisual y cuando te encuentras delante de uno de los edificios, tienes la opción de ver el fragmento del vídeo donde aparece ese edificio en concreto”, indica Sol Riera.

En Murales cerámicos urbanos, Irina Gorsu y Josep Motas, más conocidos con el nombre artístico de Bussoga, “utilizan un mural de cerámica como soporte para mapear de forma irónica y juguetona seis puntos clave, representativos de lo que un turista espera visitar en Girona”, asegura la comisaria. Actualmente las creaciones de Bussoga se pueden contemplar en los murales expuestos en Girona, que gracias a la aplicación Filtres APPart, el público podrá seguir viendo cuando se clausure la muestra, tan sólo colocándose delante de las paredes donde estaban ubicados.

“Trazando el río”. Mar Serinyà moldeando la corriente de los ríos Güell y Sèquia Monar.

Mar Serinyà plantea una reflexión sobre el espacio en que se mueve el artista, presentando en el Bòlit_LaRambla cuatro series de fotografías referentes a los cuatro ríos de Girona, donde Serinyà juega con el agua para ver como el cuerpo puede modelar azarosamente las corrientes. Estas imágenes y los movimientos que conforman Trazando el río, vuelven a emerger en cada punto marcado de la ruta y en cada arroyo donde la artista ha experimentado con el medio líquido como se relaciona el cuerpo con el trazo que genera.

Finalmente El tractor calabaza de Blanc (el abuelo de Siset) de David Ymbernon propone un recorrido por Girona que transporta el espectador a su infancia, plasmando memorias pasadas a través de fotografías y pistas de audio que emergen también de manera geolocalizada, cuándo el público se encuentra en determinados puntos de la ruta.

La muestra que se presenta en un centro de arte (la Sala Fidel Aguilar del Bòlit), cuatro hoteles (Hotel Nord 1901, Hotel Peninsular, Hotel Ultònia y Hotel Urh) y seis enclaves turísticos de Girona, se plantea según la comisaria, “como un proyecto poliédrico en el cual es imprescindible la participación activa de los espectadores, ya que los itinerarios y la mirada hacia la ciudad han sido pensados para ser ejecutados, usados y cuestionados”. Y además la aplicación para dispositivos móviles, la convierte en una exposición sin fecha de caducidad.

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Y murieron con las pelucas puestas

Por: Roberta Bosco y Stefano Caldana | 20 de mayo de 2014 – Entrada original en EL PAÍS

Llega el desenlace de EL DUELO, el más emocionante enfrentamiento que se recuerde de ‘lucha libre vídeo artística’.

EL DUELO, sin sombra de duda el enfrentamiento más emocionante que la historia del videoarte ibérico recuerde, llega a su esperado desenlace. A partir de hoy las dos rivales, Beatriz Sánchez y Verónica Ruth Frías, darán rienda suelta a su creatividad enfrentándose en la red por cuarta y última vez para poner punto final a una lucha sin cuartel. Armadas de su propio lenguaje audiovisual las dos artistas originarias de Córdoba se han desafiado anteriormente en tres asaltos, basados en un formato de vídeo-correspondencias, dando vida a una batalla creativa donde cualquier golpe bajo ha sido admitido. Cada contrincante debe responder a la propuesta de su opositor con un vídeo inferior al minuto de duración, sin romper la cadena argumental que une los trabajos y utilizando formatos y técnicas libres, como el apropiacionismo, el collage o las narrativas experimentales.

EL DUELO es un proyecto abierto que ha nacido y se desarrolla en Internet y fomenta la participación del público, sin distinción entre expertos y aficionados, a través de las redes sociales. De ese modo, los verdaderos jurados son los propios espectadores, ya que el dictamen es el resultado del ‘voto del experto’, un representante del sector del arte y el ‘voto del público’, que puede apostar, juzgar y comentar la batalla en tiempo real a través de la página del proyecto en Facebook.

“Tanto Verónica como yo trabajamos con audiovisuales, somos de la misma generación y de la misma ciudad, así que es inevitable que, dedicándonos a la vídeo creación, nos comparen o nos confundan. Por eso hemos decidido dejar claras nuestras diferencias y parecidos como creadoras”, explica Beatriz Sánchez para describir la génesis de un evento que pese a plantearse como una batalla, ha sido desde el principio más bien una fiesta del videoarte.
A partir de un objeto que las identifique, el tomate para Sánchez y la calavera de Frida Kahlo para Frías, las dos artistas han unido sus fuerzas audiovisuales para llevar a cabo un proceso de creación colectiva desde la distancia. “Hemos empleado nuestro lenguaje personal como arma de identidad y de ataque, para dar vida ad una mezcla de recursos videográficos enfrentados a modo de improvisación. EL DUELO se ha ido construyendo a partir de lo que una le envía a la otra”, indica Verónica Ruth Frías.

Los “avatares” de EL DUELO: el “tomate” de Beatriz Sánchez y la “calavera Frida Kahlo” de Verónica Ruth Frías.

Sin embargo para el cuarto y último asalto que se inaugura hoy, las reglas han cambiado. Los vídeos tendrán una duración ilimitada y las dos creadoras se enfrentarán personalmente. “Cara a cara y peluca a peluca”, afirma Beatriz Sánchez, que necesita remontar la desventaja (2-1) respecto a Verónica Ruth Frías. Para abordar la última batalla, Sánchez ha lanzado hoy en la red BABY BOMB!!, un vídeo donde aparece junto con su contrincante.
“Considerando la contingencia del embarazo de Frías y siendo muy polémico atacar físicamente a una preñada en tan avanzado estado de gestación, nada más ni nada menos que de ocho meses, optamos por la solución definitiva, es decir entrenar a otra embarazada”, explica Sánchez que por tanto enfrentará a Frías, Ana aka Mama Machaca, “una perra fiel que, tras duras horas de entrenamiento, ha adquirido todos los trucos de lucha libre necesarios para noquear a su rival Verónica aka Mama Fractura”, asegura Sánchez.

“Hasta ahora nunca nos hemos tenido que juntar físicamente y las normas para la última temporada de EL DUELO serán que una somete a la otra por turnos, según el guión que se le ocurra. Esto significa que para el último asalto yo he participado en el vídeo de Beatriz haciendo lo que a ella se le ha ocurrido. Por su parte en mis vídeos de la cuarta temporada ella también tendrá que ponerse en mis manos” explica Verónica Ruth Frías.

Lo único que se mantendrá igual es el sistema de valoración de la ganadora. El jurado seguirá dividido en dos bloques que decidirán el desenlace de la reyerta: el ‘voto del público’, recogido a través de Facebook continuará influyendo el 50% en el veredicto final y el otro 50% recaerá en el ‘voto del experto’ que, para este último asalto será Nicola Mariani, sociólogo, crítico independiente y bloguero en Nicola Mariani: Arte y Sociedad, quien se encargará de comentar y valorar las mejores jugadas de Sánchez y Frías, tomando el relevo de sus predecesores: Fernando Castro Flórez, Xoxé Tétato y Pedro Soler.

Verónica Ruth Frías y Beatriz Sánchez se han desafiado anteriormente en tres asaltos basados en un formato de vídeo-correspondencias.

EL DUELO empezó el 24 de febrero de 2013 y, como sugiere el cintillo del proyecto Y murieron con las pelucas puestas, se planteó como un choque entre dos creadoras totalmente desenfadadas y listas para reírse de sí mismas a través de unos vídeos paródicos, permeados de una estética pop y llenos de ironía y provocación. Verónica Ruth Frías fue la ganadora del primer asalto “entre estas dos princesas de pueblo, una rubia y una morena”, según las palabras del activista cultural Pedro Soler, primer jurado de este peculiar desafío.

En este asalto, el amenazador TE COMO con la calavera mexicana de Frida Kalho comiéndose literalmente los tomates, símbolo de Sánchez, no fue suficiente para decretar la victoria y se requirió un desempate, que se resolvió en favor de Frías, autora de una pieza de videoarte combinada con una canción de reggaetón.

En el segundo asalto, Beatriz Sánchez empató la contienda dejando hablar su estilo impactante en un episodio donde suplanta los personajes y superhéroes del imaginario artístico de Frías para desprestigiarlos públicamente con acciones impropias. En Súper M*, Sánchez no teme plantear su desafío con una narrativa que emplea recursos visuales tradicionales, característicos del videoarte.

También en este segundo asalto fue necesario un desempate, ya que el fallo del ‘jurado experto’, Xoxé Tétato, miembro del grupo musical Los Ganglios de Badajoz y el voto del público terminó en tablas.
Para conseguir la derrota de su contrincante Beatriz Sánchez duplicó sus esfuerzos y puso en escena una colonia de hormigas para celebrar El Funeral de la Catrina.

“Nada de entierros, ni lagrimas, ni misericordia. Calavera regresa de entre los muertos y las hormigas con más fuerza que nunca. Esta vez no viene sola…”, replicó Frías, aunque de nada le sirvió su actuación al son del pegadizo THE THRILLER_CALAVERA, acompañada por un cuerpo de baile formado por muertos vivientes.

En el tercer asalto, un solo round fue suficiente para zanjar un breve duelo donde el público conjuntamente con el crítico de arte y filósofo Fernando Castro Flórez, decretó otra vez la provisional ventaja de la camaleónica Frías con su Breaking Balls. En esta batalla las dos artistas se enfrentaron con los personajes y los roles, que utilizaron anteriormente en sus vídeo creaciones, a lo largo de toda su trayectoria artística.

“Aunque tenga apariencia de juego personal, creemos que EL DUELO ha sido un experimento interesante, porque saca punta al tema de la democratización de las nuevas tecnologías. El proyecto ha exprimido al máximo el uso de los medios de edición y comunicación tan accesibles al usuario medio. Nos atrevemos a decir que estos recursos tan sencillos pueden expandirse y dar más de sí que otras complejidades informáticas, típicas del arte digital. El espectador se identifica porque entiende cómo se está procesando todo”, explican las artistas apuntando a la participación pública, sin distinción entre expertos y aficionados y a la necesidad de actualizar el videoarte en la era de los new media.
“Este punto es el que me parece más interesante. El carácter pedagógico de acercar el arte a cualquier sector. Por Facebook pasea mucha gente, por las salas de arte no. Con este cuarto asalto termina un proyecto conjunto que ha durado un año. Es muy probable que EL DUELO tenga un futuro, pero Y murieron con las pelucas puestas se acabó”, concluyen.

Si eres un apasionado de la ‘lucha libre vídeo artística’, no dejes de subirte al ring digital para seguir a lo largo de toda esta semana el desarrollo y punto de final de EL DUELO, aprovechando así la ocasión de participar, comentando y contribuyendo a las votaciones en las redes sociales.

Pujas online para pioneros digitales

Por: Roberta Bosco y Stefano Caldana | 28 de abril de 2014 – Entrada original en EL PAÍS

“Vernacular of File Formats” una serie de autorretratos corruptos de Rosa Menkam.

Quedan sólo tres días pero aun hay tiempo suficiente para hacerse con algunas de las obras más significativas de la historia del arte digital. Born Digital, concebida por los críticos y comisarios italianos Domenico Quaranta y Fabio Paris para el portal de subastas online Paddle8, ofrece a todo el mundo la posibilidad de conseguir por un precio que varía entre los 100 y los 15 mil euros, algunas de las piezas más emblemáticas del new media art europeo. Con obras de pioneros como Vera Molnar y Herbert W. Franke, clásicos del net.art como JODI, Heath Bunting o Alexei Shulgin, y jóvenes promesas, se trata de la subasta de arte digital más importante organizada hasta ahora en Europa y, aunque esté abierta a todos los públicos, se dirige principalmente a los museos y centros de arte contemporáneo.

Born Digital, que mantendrá abiertas las pujas hasta el miércoles 30 de abril, en realidad es una subasta organizada por Quaranta y Fabris para recaudar fondos por el centro que fundaron en Brescia (Italia) en 2011 y dirigen desde entonces. Se trata del Link Center for the Arts of the Information Age (Link Art Center), un centro multifuncional, que promueve la investigación artística basada en las nuevas tecnologías y la reflexión crítica sobre los temas cruciales de la era de la información. “Born Digital es a la vez una exposición online y una subasta para financiar nuestras iniciativas. Nació como una apuesta arriesgada, pero los artistas que hemos contactado han participado en masa, de modo que conseguimos organizar un evento de cierta importancia con 33 creadores de diferentes generaciones y más de 50 trabajos”, explica Quaranta, que ha impuesto como única condición que los artistas fueran europeos.

El “386 DX” de Alexei Shulgin, la “primera banda de rock ciberpunk”. Foto: Rosa Menkman.

Entre las obras por las que se puede pujar se encuentran trabajos inolvidables como una copia del célebre 386 DX, un viejo PC, protagonista de un genial experimento de reciclaje creativo, que su creador, el pionero del net.artista ruso Alexei Shulgin, definió la “primera banda de rock ciberpunk”. Imposible olvidar las irónicas performances de este estrafalario ordenador que interpretaba live los clásicos del rock, mediante un software para la vocalización de textos, mientras Shulgin se mantenía en un discreto segundo plano. La puja para conseguir el ordenador cantante empieza de 8.000 euros.

Al principio el 386 DX se exhibió como si fuera un mendigo, pidiendo limosnas en las equinas de las calles al ritmo de California Dreaming de The Mamas & The Papas. Sin embargo pronto, vistas sus potencialidades, el proyecto se convirtió en un concierto performance, protagonista de una gira que llevó el histriónico creador ruso por medio mundo a lo largo de casi una década.

A partir de los 15 mil euros, “Scrollbar Composition” de Jan Robert Leegte es la instalación más cara que se subasta en “Born Digital”.

Entre los demás trabajos hay propuestas para todos los gustos: impresiones digitales, instalaciones, vídeos, GIFS animados, net.art, esculturas y archivos para imprimir en 3D. Los precios son variables y van desde los 15.000 euros de Scrollbar Composition, una instalación del holandés Jan Robert Leegte a los muy asequibles 100 euros de los ViBo del italiano Carlo Zanni. Para el mundo del arte los ViBo o Video Books resultan un formado novedoso, que Zanni ha importado desde el marketing donde estas publicaciones publicitarias suelen llamarse video in print o video greeting cards. Carlo Zanni se ha apropiado de este formato, que suele llevar incorporado un vídeo para la presentación de un producto, convirtiéndolo en los ViBo, unos objetos artísticos de precio contenido, que incluyen obras audiovisuales, como el reciente The Sandman de Zanni, y constituyen una original alternativa para la difusión del vídeo arte.

ViBo o Video Books de Carlo Zanni, una original alternativa para la difusión del vídeo arte.

En Born Digital además de los pioneros Vera Molnar y Herbert W. Franke y de muchos clásicos del net.art como JODI o Heath Bunting encontramos también algunos de los nombres más relevantes de la actual escena digital como Aram Bartholl, Janez Janša, Evan Roth y Constant Dullaart.

España está representada por el reconocido artista catalán Joan Leandre, fundador con Toni Serra de OVNI, la célebre muestra de video alternativo de Barcelona. Leandre participa con The Wild Life Permutations set 1, una investigación sobre arquitecturas y geometrías en 3D, coleccionadas por el propio artista a través de la red y almacenadas en una tarjeta de memoria SD. Le acompaña el valenciano afincado en Londres Emilio Gomariz, que ofrece dos obras: el GIF animado SPH3R3 y Fluids, un loop abstracto e hipnótico que se reproduce al infinito.

“El Link Art Center se quedará con el 20% de la recaudación, el 8% será para la plataforma Paddle8 y los artistas obtendrán el 72%”, indica Domenico Quaranta, que se ha visto obligado a organizar el evento por la necesitad de recaudar fondos para su centro de arte, institución independiente y minoritaria, que no dispone del apoyo de un mecenas empresarial como muchas otras entidades sin ánimo de lucro italianas. “La mayoría del trabajo realizado hasta ahora ha sido financiado por patrocinadores privados nacionales o internacionales, aunque a menudo se ha podido realizar únicamente gracias a la buena voluntad y las colaboraciones gratuitas”, asegura Quaranta, destacando las numerosas iniciativas organizadas por el Link Art Center a nivel local, internacional y en la red, desde exposiciones y producciones de proyectos hasta la publicación de libros, a través del sello editorial Link Editions.
Entre las nuevas propuestas destaca el Link Cabinet, una galería online comisariada por Matteo Cremonesi, que se inaugura este mes con un nuevo proyecto de Jonas Lund.

“Sin duda, la subasta es una manera de comprobar si existe una alternativa a esta situación, pero es sobretodo un experimento que queríamos llevar a cabo, siendo ante todo personas a las que nos gusta experimentar”, concluyen Quaranta y Fabris, invitando también todos aquellos que en principio no tienen intención de adquirir nada a seguir el desarrollo de las pujas en Born Digital.

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Un artista en el banner

Por: Roberta Bosco y Stefano Caldana | 23 de abril de 2014 – Entrada original en EL PAÍS

“Jelly Ghosts” una performance de Girolamo Marri, un “hombre interfaz” en el banner de Arshake.

Iconoclasta, irónico y entretenido, Girolamo Marri emerge del banner de Arshake como si fuera un anfitrión digital. Es un hombre interfaz, cuyo cometido es empezar algo que en realidad ya está aconteciendo, así que no consigue definir lo que está haciendo y su performance se perfila como una némesis de los célebres TED Talks (“Ideas worth spreading“). Inseguro e indeciso pero a la vez contundente, Marri derrumba la sonrisa y la confianza de ponentes con “ideas dignas de difundir”. Estamos hablando de Jelly Ghosts, una performance para la red de este joven artista italiano afincado en Londres, recientemente estrenada en Arshake, una plataforma editorial online que ha transformado su banner de apertura en un espacio para la producción y presentación de proyectos artísticos específicos. El de Girolamo Marri es el tercer proyecto de un ciclo que ha contado anteriormente con las obras de Chiara Passa y Cristian Rizzuti.

Esto no es un experimento”, afirma Marri, que en realidad es un incansable experimentador de técnicas y soportes. El artista intenta definir lo que está haciendo pero no le salen las palabras, busca algo que no encuentra… una imagen en su portátil… vacila, reflexiona y continúa sin pronunciar palabra. La performance online de Girolamo Marri articulas interminables pausas, a través de 88 breves vídeo secuencias aleatorias, centradas en la virtualidad y las relaciones mediadas por las tecnologías.
Marri se convierte en un interruptor para cambiar el color del espacio, invita el público a tomar instantáneas y recomienza a dudar. Principalmente le inquieta esclarecer el significado de iniciar algo, intenta introducir unos puntos clave y toma un sorbo de agua antes de otra larga espera de algo que nunca tendrá lugar y que le acerca al presente perpetuo e interminable de El desierto de los tártaros del novelista italiano Dino Buzzati.

La performance online de Girolamo Marri se desarrolla a través de 88 breves vídeo secuencias.

Jelly Ghosts se enmarca en una serie de trabajos de Marri, que indagan cuestiones vinculadas con la comunicación y la no-comunicación, el uso de símbolos convencionales y el concepto de tiempo. Por medio del banner, el artista penetra en la esfera íntima de quien mira instaurando un contacto, que anticipa algo que debería acontecer, aunque sigue estancado en su inicio”, explica al Silicio Elena Giulia Rossi, fundadora de Arshake y comisaria del ciclo de obras para el banner.

La plataforma digital Arshake apareció en 2011 como un proyecto editorial artístico de vanguardia, que se interesa en clave tanto práctica como teórica de arte y tecnología. Fundado por Elena Giulia Rossi, en colaboración con artistas y críticos italianos e internacionales, Arshake es un proyecto integrador, que se dirige a un público amplio y ha sido concebido como respuesta a la necesidad de disponer de un espacio-contenedor, libre de estructuras burocráticas, para el arte online. “Arshake está creciendo y enriqueciéndose con muchas sinergias, iniciativas editoriales y artísticas como el mismo banner, que se estrenó el pasado mes de diciembre. Los proyectos artísticos permanecen unos dos meses y luego desaparecen, porque queremos que las obras se puedan experimentar en tiempo real y durante un periodo determinado en el banner de Arshake, como en cualquier otro espacio expositivo”, indica Rossi.

Antes de la obra de Girolamo Marri, que permanecerá online hasta el 18 de mayo, se presentó Fourth Dimension Banner de Chiara Passa, una pionera de la investigación de los espacios virtuales, que propone una reflexión sobre la arquitectura del banner y el interfaz en general.

Fourth Dimension Banner forma parte de la serie Live Architectures, instalaciones digitales e interactivas, concebidas para repensar la arquitectura. En este caso el interfaz se convierte en un medio para llevar a cabo un viaje onírico y real a la vez, donde la animación es el vehículo para acceder a la misma arquitectura del banner.
“Es una dimensión imaginaria y real de aquella zona liminal que es el interfaz, una delgada capa, una epidermis tecnológica que ha sobrepasado su papel fronterizo entre el mundo interno y externo”, explica Rossi.
Chiara Passa lleva una larga trayectoria investigando los cambios del espacio líquido a través de una variedad de técnicas, tecnologías y dispositivos como animaciones, videoinstalaciones, net.art, proyectos interactivos y videomapping, que permiten experimentar las diferentes configuraciones del espacio y de cómo evoluciona en relación al lenguaje informático y la interacción con los seres humanos.

“Los tres trabajos producidos hasta la fecha han sido elegidos por el equipo de Arshake entre los artistas que se encontraban en sintonía con nuestro proyecto y filosofía”, explica Elena Giulia Rossi destacando que de toda forma, los criterios pueden cambiar en el futuro.

“Oltre l’attesa” de Cristian Rizzuti, una intervención visual que el pasado diciembre inauguró el banner de Arshake.

El banner de Arshake se inauguró con la performance generativa Oltre l’attesa del joven artista italiano Cristian Rizzuti, que despliega una reflexión sobre el tiempo y la memoria a través de una biografía por imágenes en continua evolución. “Con Oltre l’attesa, una intervención visual en tiempo real, se pudo presenciar una investigación sobre las técnicas artísticas del pasado”, recuerda Rossi, recordando cómo este proyecto ha sido llevado a cabo en colaboración con el crítico italiano Antonello Tolve.

Ashake ha sido desde sus comienzos un generador de sinergias. Lo demuestra la colaboración con Cristian Rizzuti, que se ha encargado de la creación del logo a partir del Manifesto de Arshake, dando forma a una obra de lettering, donde las palabras extrapoladas del Manifesto se convierten en tags (etiquetas), cuyas dimensiones definen su peso y presencia en el espíritu del proyecto.
Por lo que se refiere a las producciones futuras, Elena Giulia Rossi no quiere anticipar nada porque prefiere la sorpresa, aunque asegura que en el espacio se alternarán diversas disciplinas como street art o la danza y artistas especialmente interesados en trabajar con el espacio y las dimensiones. “Nuestra intención es estimular el mestizaje y la experimentación entre lenguajes diferentes y artistas tanto jóvenes como afirmados en Italia y en el mundo”, concluye la comisaria y productora.

¿A qué saben las nubes en Madrid?

Por: Roberta Bosco y Stefano Caldana | 07 de abril de 2014 – Entrada original en EL PAÍS

“Smog Tasting” de The Center for Genomic Gastronomy, una siniestra colección de merengues con sabor a aire contaminado.

¿Quién se comería una clara de huevo montada a punto nieve con sabor a contaminación atmosférica? ¿Quién tendría el valor de probar una salsa, si supiera que ha sido creada a partir de una mutación genética inducida por radiaciones? Sin embargo se trata de alimentos que incautamente comemos cada día. Lo asegura The Center for Genomic Gastronomy, un colectivo artístico que investiga el uso de las biotecnologías en el campo de la alimentación. Algunos de sus proyectos más recientes se exhiben en el Espacio Fundación Telefónica de Madrid, en el marco de Premios VIDA 15.0, una muestra que celebra los 15 años del certamen homónimo (VIDA), el prestigioso concurso internacional de proyectos artísticos, realizados con tecnologías y conceptos de vida artificial, concebido en 1998 por el artista Rafael Lozano-Hemmer y organizado por Fundación Telefónica.

The Center for Genomic Gastronomy es un proyecto sobre gastronomía genómica iniciado en 2011, que pretende ayudar a comprender mejor la alimentación en el contexto de la cultura actual, las nuevas tecnologías de la vida y la ecología”, explican sus fundadores Cat Kramer y Zack Denfeld. Sus iniciativas alternan presentaciones, talleres para todos los públicos e instalaciones artísticas, cuyo común denominador es la voluntad de hablar de gastronomía desde una perspectiva creativa. Sus actuaciones más celebradas suelen ser las exposiciones comestibles y unas sorprendentes experiencias gastronómicas que combinan la degustación de smog de diversas ciudades con la preparación de sushi fluorescente.

Zack Denfeld y Cat Kramer, fundadores de The Center for Genomic Gastronomy.

Smog Tasting utiliza claras de huevo montadas a punto de nieve y enriquecidas con los humos de la contaminación urbana, para dar forma a una siniestra colección de merengues con sabor a aire contaminado de diferentes lugares del mundo. “Las espumas de huevo se componen hasta un 90% de aire y la preparación hace que las partículas atmosféricas como los metales pesados y compuestos orgánicos volátiles, queden atrapados en la masa”, explican Kramer y Denfeld. Una de sus máximas aspiraciones es tomar una instantánea de la calidad del aire en cualquier lugar para servirla a los políticos o dueños de negocios como prueba de la calidad del aire en su área.

Sus presentaciones públicas sueles ser verdaderas puestas en escena, donde los comensales disfrutan de una experiencia culinaria alternativa y educativa, a través de una exposición comestible que denuncia las peligrosas manipulaciones de lo que estamos comiendo cada día.
Hay platos históricos como el Vegan Ortolan, una versión libre de animales del Ortolan, quizás uno de los platos más crueles que se hayan inventado, que se come con una servilleta sobre la cabeza, para ocultar el rostro de la mirada de Dios mientras se saborea el pobre pajarito. Este antiguo plato francés, celebrado en la película danesa El Festín de Babette y actualmente prohibido, tiene como desafortunada victima la Emberiza hortulana, un pequeño pájaro cantor engordado a la fuerza.
Vegetarian Bouillabaisse es una sopa de pescado que se inspira en el Fish Tomato, una variedad de tomate transgénico resistente al frio, producido por la compañía DNA Plant Technology, combinando su ADN con los genes de un lenguado americano (Pseudopleuronectes americanus), que afortunadamente nunca se llegó a comercializar.

En cambio Glowing Sushi es un plato que otorga un uso inesperado al primer animal genéticamente modificado que se puede comprar en el mercado. El proyecto, que denuncia la introducción de elementos genéticamente modificados en la vida cotidiana, es protagonizado por el GloFish®, un pez cebra fluorescente, patentado por Yorktown Technologies, que pese a no haber sido creado para uso alimentar, está disponible para ser vendido como mascota. “Si desea conseguir un sushi que brille en la oscuridad, tendrá que congelar el GloFish®, sino al cocinarlo perderá sus características”, explican Cat Kramer y Zack Denfeld, animando los lectores a realizar en su casa el sushi fluorescente con el GloFish®.

El menú se completa con aromas y condimentos, como la salsa de barbacoa Cobalt 60 Sauce, realizada a partir de mutaciones surgidas exponiendo los vegetales a las radiaciones. “Se trata de una tecnología agrícola que ha proliferado en todo el mundo desde el final de la Segunda Guerra Mundial. Durante más de 60 años, los científicos de los seis continentes han expuesto plantas y semillas a la radiación y a los productos químicos, con el fin de inducir mutaciones aleatorias y encontrar atributos deseables para mejorar una cepa original”, indican los artistas denunciando que hasta ahora han sido registradas más de 2.500 variedades de cultivos mutantes.

En la misma línea de Cobalt 60 Sauce, el Mutagenic Mist es una instalación que expone el espectador a una emisión de vapor aromático con forma de nube nuclear, para recordar a los visitantes que uno de los aromas de menta más célebres del mundo, el Todd’s Mitcham Peppermint, ha sido realizado en la década de 1970 y comercializado a partir de la selección de una planta de menta “mejorada” con radiaciones

Los vídeos de las acciones de The Center for Genomic Gastronomy, galardonado con el Premio Especial del Público en la última edición del los premios VIDA, se podrán ver hasta el 20 de abril en la muestra Premios VIDA 15.0.
El Premio Especial del Público, estrenado en la última edición del certamen, ha sido otorgado por el público con una votación llevada a cabo a través de la página de Facebook del concurso. “Estas nuevas iniciativas demuestran la voluntad de abrir los premios a las dinámicas actuales involucrando las redes sociales”, concluye Mónica Bello, directora de VIDA.

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