Postales sonoras desde la Alhambra

Por: Roberta Bosco y Stefano Caldana | 10 de junio de 2014 – Entrada original en EL PAÍS

“La Ciudad de Agua” tiene su origen en una obra sonora realizada para la ABC de Sídney.

Se titula La Ciudad de Agua, el pionero proyecto que el compositor y artista José Iges y la artista intermedia Concha Jerez acaban de desarrollar para la pagina web del Patronato de la Alhambra. Presentado públicamente por María del Mar Villafranca, directora del Patronato, La Ciudad de Agua se plasma en una web que permite al público enviar un testimonio vivo del patrimonio histórico artístico del complejo monumental más visitado de España. Se trata de unas postales sonoras y visuales, que encierran las originales creaciones de José Iges y Concha Jerez, inspiradas en las sonoridades líquidas y cristalinas del agua, un elemento fundamental en la arquitectura del conjunto palaciego granadino.

Producido por el propio PatronatoLa Ciudad de Agua ofrece la posibilidad de navegar por una selección de 12 paisajes que se plasman en tras tantas páginas/postales. “En cada una de ellas, clicando en un área que indica Email this page, aparece un breve formulario que permite enviar esa página/postal al correo deseado”, explica al Silicio José Iges. Además de un breve mensaje de texto, cada postal incluye un contenido sonoro y visual creado por Iges y Jerez, cuya naturaleza traspasa los límites de las palabras para estimular la memoria y la sensibilidad del destinatario, a través de los sonidos y las imágenes.

José Iges y Concha Jerez. Alhambra (1994).

Mientras que las fotos, los vídeos y la imagen grafica han sido realizados por los artistas expresamente para este proyecto web, creado en WordPress con la colaboración de Pedro López, toda la aportación sonora se remonta a un trabajo homónimo realizado para la radio en 1994. “El subtítulo de esa obra era y es, 12 postales sonoras de la Alhambra y el Generalife, lo que motivó en la directora del Patronato el interés de extender la idea de postal a algo que los visitantes de la web de la Alhambra pudiesen enviar a sus amigos”, indica Iges, explicando los origines del nuevo trabajo, surgido hace 20 años en una emisora de radio australiana.

“En aquel entonces Andrew McLennan, director del programa The Listening Room en la ABC de Sídney, solicitó a unos cuantos artistas sonoros y compositores la creación de obras para su emisión sobre el tema Taking the waters. Nosotros decidimos centrarnos en los baños árabes de los palacios de la Alhambra y a partir de ahí se extendió a la idea del agua, como elemento determinante del monumento”, recuerdan Iges y Jerez, que además de artistas sonoros e intermedia, son considerados unos pioneros del arte electrónico en España. Los artistas, que trabajan juntos desde 1989 en la realización de instalaciones, performances y conciertos intermedia, son conocidos por sus trabajos radiofónicos, como el espacio Ars Sonora de Radio Clásica (RNE), fundado en 1985 por Iges, quien lo dirigió hasta 2008.

Han pasado ya dos décadas desde la experiencia radiofónica australiana y para el nuevo proyecto web de La Ciudad de Agua sus creadores han querido aprovechar las ventajas de las herramientas contemporáneas, grabando nuevos sonidos, en forma de archivos audio incorporados a la página de cabecera y a la de Documentos.
“Hay que tener en cuenta que el título es La Ciudad de Agua y no La Ciudad del Agua, es decir una ciudad con el agua como elemento diferencial o determinante en parte de su morfología, como pueden ser Ámsterdam o Venecia”, matiza Iges. “Para entenderlo, merece la pena recordar un verso esculpido como poesía epigráfica en uno de los muros de la Alhambra, leído por Esperanza Abad en uno de los fragmento audio de nuestra obra, en el cual el propio monumento habla en primera persona”.

“Mi agua es de perlas fundidas que por hielo ves correr / y por diáfana el agua a través tuya ni un instante de ti desaparezco. Se diría que el agua que contengo y por mi se desparrama / somos masa de hielo: que una parte se fundió y una parte no se funde”

“Ya que no se puede escribir de modo duradero sobre el hielo, es como si los poetas de la época lo hubiesen sustituido por otros materiales menos perecederos. Y por otro lado está permanente el lenguaje, otra forma de fluido que, como el agua, a todos nos conforma y a nadie pertenece. O sea, esa ciudad estaría hecha de agua”, concluye Iges. El concepto de esta obra sonora, que ha vuelto a cobrar vida a través de la red, se plasma en una ciudad de agua, que hubiera enriquecido aún más las ciudades fantásticas descritas por Marco Polo al rey de los tártaros Kublai Kan, en Las ciudades invisibles del escritor italiano Italo Calvino.

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Y murieron con las pelucas puestas

Por: Roberta Bosco y Stefano Caldana | 20 de mayo de 2014 – Entrada original en EL PAÍS

Llega el desenlace de EL DUELO, el más emocionante enfrentamiento que se recuerde de ‘lucha libre vídeo artística’.

EL DUELO, sin sombra de duda el enfrentamiento más emocionante que la historia del videoarte ibérico recuerde, llega a su esperado desenlace. A partir de hoy las dos rivales, Beatriz Sánchez y Verónica Ruth Frías, darán rienda suelta a su creatividad enfrentándose en la red por cuarta y última vez para poner punto final a una lucha sin cuartel. Armadas de su propio lenguaje audiovisual las dos artistas originarias de Córdoba se han desafiado anteriormente en tres asaltos, basados en un formato de vídeo-correspondencias, dando vida a una batalla creativa donde cualquier golpe bajo ha sido admitido. Cada contrincante debe responder a la propuesta de su opositor con un vídeo inferior al minuto de duración, sin romper la cadena argumental que une los trabajos y utilizando formatos y técnicas libres, como el apropiacionismo, el collage o las narrativas experimentales.

EL DUELO es un proyecto abierto que ha nacido y se desarrolla en Internet y fomenta la participación del público, sin distinción entre expertos y aficionados, a través de las redes sociales. De ese modo, los verdaderos jurados son los propios espectadores, ya que el dictamen es el resultado del ‘voto del experto’, un representante del sector del arte y el ‘voto del público’, que puede apostar, juzgar y comentar la batalla en tiempo real a través de la página del proyecto en Facebook.

“Tanto Verónica como yo trabajamos con audiovisuales, somos de la misma generación y de la misma ciudad, así que es inevitable que, dedicándonos a la vídeo creación, nos comparen o nos confundan. Por eso hemos decidido dejar claras nuestras diferencias y parecidos como creadoras”, explica Beatriz Sánchez para describir la génesis de un evento que pese a plantearse como una batalla, ha sido desde el principio más bien una fiesta del videoarte.
A partir de un objeto que las identifique, el tomate para Sánchez y la calavera de Frida Kahlo para Frías, las dos artistas han unido sus fuerzas audiovisuales para llevar a cabo un proceso de creación colectiva desde la distancia. “Hemos empleado nuestro lenguaje personal como arma de identidad y de ataque, para dar vida ad una mezcla de recursos videográficos enfrentados a modo de improvisación. EL DUELO se ha ido construyendo a partir de lo que una le envía a la otra”, indica Verónica Ruth Frías.

Los “avatares” de EL DUELO: el “tomate” de Beatriz Sánchez y la “calavera Frida Kahlo” de Verónica Ruth Frías.

Sin embargo para el cuarto y último asalto que se inaugura hoy, las reglas han cambiado. Los vídeos tendrán una duración ilimitada y las dos creadoras se enfrentarán personalmente. “Cara a cara y peluca a peluca”, afirma Beatriz Sánchez, que necesita remontar la desventaja (2-1) respecto a Verónica Ruth Frías. Para abordar la última batalla, Sánchez ha lanzado hoy en la red BABY BOMB!!, un vídeo donde aparece junto con su contrincante.
“Considerando la contingencia del embarazo de Frías y siendo muy polémico atacar físicamente a una preñada en tan avanzado estado de gestación, nada más ni nada menos que de ocho meses, optamos por la solución definitiva, es decir entrenar a otra embarazada”, explica Sánchez que por tanto enfrentará a Frías, Ana aka Mama Machaca, “una perra fiel que, tras duras horas de entrenamiento, ha adquirido todos los trucos de lucha libre necesarios para noquear a su rival Verónica aka Mama Fractura”, asegura Sánchez.

“Hasta ahora nunca nos hemos tenido que juntar físicamente y las normas para la última temporada de EL DUELO serán que una somete a la otra por turnos, según el guión que se le ocurra. Esto significa que para el último asalto yo he participado en el vídeo de Beatriz haciendo lo que a ella se le ha ocurrido. Por su parte en mis vídeos de la cuarta temporada ella también tendrá que ponerse en mis manos” explica Verónica Ruth Frías.

Lo único que se mantendrá igual es el sistema de valoración de la ganadora. El jurado seguirá dividido en dos bloques que decidirán el desenlace de la reyerta: el ‘voto del público’, recogido a través de Facebook continuará influyendo el 50% en el veredicto final y el otro 50% recaerá en el ‘voto del experto’ que, para este último asalto será Nicola Mariani, sociólogo, crítico independiente y bloguero en Nicola Mariani: Arte y Sociedad, quien se encargará de comentar y valorar las mejores jugadas de Sánchez y Frías, tomando el relevo de sus predecesores: Fernando Castro Flórez, Xoxé Tétato y Pedro Soler.

Verónica Ruth Frías y Beatriz Sánchez se han desafiado anteriormente en tres asaltos basados en un formato de vídeo-correspondencias.

EL DUELO empezó el 24 de febrero de 2013 y, como sugiere el cintillo del proyecto Y murieron con las pelucas puestas, se planteó como un choque entre dos creadoras totalmente desenfadadas y listas para reírse de sí mismas a través de unos vídeos paródicos, permeados de una estética pop y llenos de ironía y provocación. Verónica Ruth Frías fue la ganadora del primer asalto “entre estas dos princesas de pueblo, una rubia y una morena”, según las palabras del activista cultural Pedro Soler, primer jurado de este peculiar desafío.

En este asalto, el amenazador TE COMO con la calavera mexicana de Frida Kalho comiéndose literalmente los tomates, símbolo de Sánchez, no fue suficiente para decretar la victoria y se requirió un desempate, que se resolvió en favor de Frías, autora de una pieza de videoarte combinada con una canción de reggaetón.

En el segundo asalto, Beatriz Sánchez empató la contienda dejando hablar su estilo impactante en un episodio donde suplanta los personajes y superhéroes del imaginario artístico de Frías para desprestigiarlos públicamente con acciones impropias. En Súper M*, Sánchez no teme plantear su desafío con una narrativa que emplea recursos visuales tradicionales, característicos del videoarte.

También en este segundo asalto fue necesario un desempate, ya que el fallo del ‘jurado experto’, Xoxé Tétato, miembro del grupo musical Los Ganglios de Badajoz y el voto del público terminó en tablas.
Para conseguir la derrota de su contrincante Beatriz Sánchez duplicó sus esfuerzos y puso en escena una colonia de hormigas para celebrar El Funeral de la Catrina.

“Nada de entierros, ni lagrimas, ni misericordia. Calavera regresa de entre los muertos y las hormigas con más fuerza que nunca. Esta vez no viene sola…”, replicó Frías, aunque de nada le sirvió su actuación al son del pegadizo THE THRILLER_CALAVERA, acompañada por un cuerpo de baile formado por muertos vivientes.

En el tercer asalto, un solo round fue suficiente para zanjar un breve duelo donde el público conjuntamente con el crítico de arte y filósofo Fernando Castro Flórez, decretó otra vez la provisional ventaja de la camaleónica Frías con su Breaking Balls. En esta batalla las dos artistas se enfrentaron con los personajes y los roles, que utilizaron anteriormente en sus vídeo creaciones, a lo largo de toda su trayectoria artística.

“Aunque tenga apariencia de juego personal, creemos que EL DUELO ha sido un experimento interesante, porque saca punta al tema de la democratización de las nuevas tecnologías. El proyecto ha exprimido al máximo el uso de los medios de edición y comunicación tan accesibles al usuario medio. Nos atrevemos a decir que estos recursos tan sencillos pueden expandirse y dar más de sí que otras complejidades informáticas, típicas del arte digital. El espectador se identifica porque entiende cómo se está procesando todo”, explican las artistas apuntando a la participación pública, sin distinción entre expertos y aficionados y a la necesidad de actualizar el videoarte en la era de los new media.
“Este punto es el que me parece más interesante. El carácter pedagógico de acercar el arte a cualquier sector. Por Facebook pasea mucha gente, por las salas de arte no. Con este cuarto asalto termina un proyecto conjunto que ha durado un año. Es muy probable que EL DUELO tenga un futuro, pero Y murieron con las pelucas puestas se acabó”, concluyen.

Si eres un apasionado de la ‘lucha libre vídeo artística’, no dejes de subirte al ring digital para seguir a lo largo de toda esta semana el desarrollo y punto de final de EL DUELO, aprovechando así la ocasión de participar, comentando y contribuyendo a las votaciones en las redes sociales.

Arte cinético para las redes sociales

Por: Roberta Bosco y Stefano Caldana | 12 de mayo de 2014 – Entrada original en EL PAÍS

“Hungry Birds” de Voldemars Dudums fueron los primeros “pajaros tuiteros”.

Es bien conocido que el término anglosajón tweet, cada vez más omnipresente, es una onomatopeya vinculada a la afinidad sonora con el gorjeo de un pájaro. No por nada Tweety (Piolín) es el nombre del canario más célebre de la historia. Sin embargo, valga la redundancia, ¿pueden los pájaros tuitear? ¡Pueden! A pesar del juego de palabras las aves también tuitean en el sentido más contemporáneo del término, es decir envían mensajes de 140 caracteres a través de la red de Twitter. Y como los pájaros, también las moscas y las plantas, a través de perfiles controlados por robot informáticos (bots), automatizan la tarea de difundir mensajes, no necesariamente comprensibles, en el marco de proyectos artísticos experimentales.

En la red social de Twitter podemos encontrar numerosos casos de robots tuiteros. Estas ‘aves 2.0’ se remontan a una iniciativa de Voldemars Dudums, un creador de Letonia que activó un perfil muy locuaz, asociado a un teclado al aire libre con pedacitos de tocino el lugar de teclas. A pesar de que a lo largo de casi dos años los pájaros silvestres que se acercaban para picotear difundieron involuntariamente algo como cuatro mil mensajes incomprensibles a través del perfil Hungry Birds, actualmente la página oficial es inoperativa. A la espera de que Dudums regrese con su esperado nuevo proyecto, es posible bucear por la memoria de la iniciativa gracias al mega archivo online Archive.org.

¿Pero qué tiene que ver todo esto con el arte? Nos lo preguntaron muchos lectores cuando publicamos Twitter Art y la pregunta se volvió obsesiva cuando el año pasado descubrimos que también el medio ambiente tuitea, que existen numerosas plantas activas en las redes sociales (Y ahora las plantas tuitean) y que también las moscas (Una colonia de moscas mantiene en vilo los twitteros) hacen lo propio, a través de una instalación de David Bowen, que le valió incluso uno de los prestigiosos premios que reparte el Ars Electronica Center de Linz, durante el festival homónimo.
Volviendo a la pregunta, de qué es lo que relaciona todo esto con el arte, no hay que olvidar el contexto de la creatividad relacionada con las nuevas tecnologías, así como las connotaciones metafóricas y la aproximación crítica que se desprende de unas creaciones de estas características. El arte no debería ser sólo un producto comercial. El proceso creativo surge como una reacción y una aproximación estética a realidades culturales y sociales a partir de soportes reales y también virtuales, ya que “el Arte es la adaptación por el hombre de la materia sensible o inteligible para un fin estético”, tal y como afirmaba el joven Stephen Dedalus, en el Retrato del artista adolescente de James Joyce.

Ahora mismo entre los artistas que investigan las posibilidades creativas de Twitter se encuentra Anthony Prestia de San Francisco, que ha creado cuatro diferentes perfiles para llevar a cabo otras tantas tareas creativas. Great Artist es un artista totalmente automatizado, que utiliza la aplicación Become a Great Artist in Just 10 Seconds programada por Michael Brough y Andi McClure, para crear cuatro veces al día un nuevo lienzo digital que difunde a través del perfil @greatartbot. Casi un juego de estrategia, Lights Out! es en palabras del propio Prestia, el primer juego gráfico en la plataforma de Twitter.

“Cloud tweets” de David Bowen y su peculiar investigación sobre el arte cinético.

Además de las moscas de Fly Colony, David Bowen dispone de una interesantísima instalación que transmite Tuits desde el cielo, ya que su Cloud Tweets convierte la bóveda celeste en un teclado virtual que hasta el momento ha llegado a difundir más de 85 mil mensajes.

ReCAPCHAT, un proyecto del artista francés Jimpunk es una irónica y minimalista performance participativa online a través de una simple interfaz Captcha, una de las ya populares herramientas que se utilizan como sistema de control para el spam. En reCAPCHAT, cuando el usuario teclea la palabra indicada por el programa, si no ha cometido errores, verá como su contribución textual se convierte ipso facto en un mensaje que el proyecto difunde en la homónima cuenta @reCAPCHAT, una ironía que apunta al alud de contenidos redundantes e innecesarios que circula hoy en día en las redes sociales.
Una reflexión que comparten también Joan Heemskerk y Dirk Paesmans, la pareja belga holandés pionera de la escena del net.art, mejor conocida como JODI, con su SK8MONKEYS ON TWITTER. Se trata de una instalación que permite al público practicar skating sobre planchas producidas a partir teclados inalámbricos que, conectados al respectivo perfil en la red de Twitter, envían al ciberespacio mensajes incomprensibles, siempre y cuando el skater, performer o visitante que sea, apriete inadvertidamente con el zapato la tecla ‘envío’.

Una reflexión sobre este tipo de proyectos artísticos no puede no sugerir el concepto de automatismo, acciones que se repiten en el tiempo de manera más menos regular o aleatorias, y se pueden también clasificar como respuestas cinéticas que toman forma en las redes sociales. Son proyectos que enlazan idealmente con el arte cinético, una disciplina que se remonta a los futuristas de comienzo del siglo pasado y a nombres célebres como Duchamp o Calder. Estos artistas tenían mucho que ver con la relación entre la obra y el espectador. En el arte cinético la búsqueda del movimiento utiliza todo tipo de recurso, desde la acción del viento o del agua a motores e impulsos electromagnéticos. A pesar de lo que digan los escépticos, tenemos la sensación de que Duchamp habría apreciado la relación formal y el resultado final de la interacción automatizada que se genera entre un lugar lejano y su reflejo a través de las redes sociales.

“William S. Burroughs at Brion Gysin’s, Paris”, October 1979 – photo © Udo Breger en la expo “The name is BURROUGHS – expanded media” ZKM (Karlsrhue).

Twitter está plagado de robots. Sin embargo no se trata de las tradicionales figuras antropomórficas, los bots son autómatas virtuales cuya naturaleza se compone de bits y funcionan como pequeños programas que automatizan sencillas tareas como enviar mensajes.
Cuando el ZKM de Karlsrhue (Alemania) realizó The name is BURROUGHS – expanded media, una muestra monográfica dedicada a Burroughs, tuvo una cierta popularidad en la red el @BurroughsBot, algo así como una presencia activa en Twitter en homenaje al padre de la beat generation. Con su presencia @BurroughsBot mantiene viva en la red la memoria del mítico escritor retwitteando inexorablemente todo mensaje que lleve en el cuerpo del texto la palabra Burroughs.

En la misma línea existen en Twitter muchos otros bots más o menos enigmáticos como el Art Critic Bot del creador francés Éric Maillet. Por definición un “generador de criticismo artístico”, este perfil de Twitter es un programa de inteligencia artificial que realiza bajo pedido un enunciado crítico aleatorio, mediante un software que analiza los diferentes estilos y autores y los remezcla para producir un texto que oscila entre lo probable y lo paródico. Disponible también como instalación, el Art Critic Bot se presenta en el marco de una muestra de obras de arte, donde sirve a los visitantes como guía y herramienta para la reflexión.

Enunciados entre lo probable y lo paródico de “Art Critic Bot”, Éric Maillet.

Para cerrar entre los bots más inquietantes hay que mencionar On Kawara, un homenaje al homónimo artista conceptual japonés. Se trata de un bot que desde el 15 de enero de 2009 repite inexorablemente una vez al día “I AM STILL ALIVE”, un mensaje que el verdadero artista japonés solía enviar a sus conocidos a través de un telegrama.

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Tuits desde el cielo (17 Oct 2013)
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Pujas online para pioneros digitales

Por: Roberta Bosco y Stefano Caldana | 28 de abril de 2014 – Entrada original en EL PAÍS

“Vernacular of File Formats” una serie de autorretratos corruptos de Rosa Menkam.

Quedan sólo tres días pero aun hay tiempo suficiente para hacerse con algunas de las obras más significativas de la historia del arte digital. Born Digital, concebida por los críticos y comisarios italianos Domenico Quaranta y Fabio Paris para el portal de subastas online Paddle8, ofrece a todo el mundo la posibilidad de conseguir por un precio que varía entre los 100 y los 15 mil euros, algunas de las piezas más emblemáticas del new media art europeo. Con obras de pioneros como Vera Molnar y Herbert W. Franke, clásicos del net.art como JODI, Heath Bunting o Alexei Shulgin, y jóvenes promesas, se trata de la subasta de arte digital más importante organizada hasta ahora en Europa y, aunque esté abierta a todos los públicos, se dirige principalmente a los museos y centros de arte contemporáneo.

Born Digital, que mantendrá abiertas las pujas hasta el miércoles 30 de abril, en realidad es una subasta organizada por Quaranta y Fabris para recaudar fondos por el centro que fundaron en Brescia (Italia) en 2011 y dirigen desde entonces. Se trata del Link Center for the Arts of the Information Age (Link Art Center), un centro multifuncional, que promueve la investigación artística basada en las nuevas tecnologías y la reflexión crítica sobre los temas cruciales de la era de la información. “Born Digital es a la vez una exposición online y una subasta para financiar nuestras iniciativas. Nació como una apuesta arriesgada, pero los artistas que hemos contactado han participado en masa, de modo que conseguimos organizar un evento de cierta importancia con 33 creadores de diferentes generaciones y más de 50 trabajos”, explica Quaranta, que ha impuesto como única condición que los artistas fueran europeos.

El “386 DX” de Alexei Shulgin, la “primera banda de rock ciberpunk”. Foto: Rosa Menkman.

Entre las obras por las que se puede pujar se encuentran trabajos inolvidables como una copia del célebre 386 DX, un viejo PC, protagonista de un genial experimento de reciclaje creativo, que su creador, el pionero del net.artista ruso Alexei Shulgin, definió la “primera banda de rock ciberpunk”. Imposible olvidar las irónicas performances de este estrafalario ordenador que interpretaba live los clásicos del rock, mediante un software para la vocalización de textos, mientras Shulgin se mantenía en un discreto segundo plano. La puja para conseguir el ordenador cantante empieza de 8.000 euros.

Al principio el 386 DX se exhibió como si fuera un mendigo, pidiendo limosnas en las equinas de las calles al ritmo de California Dreaming de The Mamas & The Papas. Sin embargo pronto, vistas sus potencialidades, el proyecto se convirtió en un concierto performance, protagonista de una gira que llevó el histriónico creador ruso por medio mundo a lo largo de casi una década.

A partir de los 15 mil euros, “Scrollbar Composition” de Jan Robert Leegte es la instalación más cara que se subasta en “Born Digital”.

Entre los demás trabajos hay propuestas para todos los gustos: impresiones digitales, instalaciones, vídeos, GIFS animados, net.art, esculturas y archivos para imprimir en 3D. Los precios son variables y van desde los 15.000 euros de Scrollbar Composition, una instalación del holandés Jan Robert Leegte a los muy asequibles 100 euros de los ViBo del italiano Carlo Zanni. Para el mundo del arte los ViBo o Video Books resultan un formado novedoso, que Zanni ha importado desde el marketing donde estas publicaciones publicitarias suelen llamarse video in print o video greeting cards. Carlo Zanni se ha apropiado de este formato, que suele llevar incorporado un vídeo para la presentación de un producto, convirtiéndolo en los ViBo, unos objetos artísticos de precio contenido, que incluyen obras audiovisuales, como el reciente The Sandman de Zanni, y constituyen una original alternativa para la difusión del vídeo arte.

ViBo o Video Books de Carlo Zanni, una original alternativa para la difusión del vídeo arte.

En Born Digital además de los pioneros Vera Molnar y Herbert W. Franke y de muchos clásicos del net.art como JODI o Heath Bunting encontramos también algunos de los nombres más relevantes de la actual escena digital como Aram Bartholl, Janez Janša, Evan Roth y Constant Dullaart.

España está representada por el reconocido artista catalán Joan Leandre, fundador con Toni Serra de OVNI, la célebre muestra de video alternativo de Barcelona. Leandre participa con The Wild Life Permutations set 1, una investigación sobre arquitecturas y geometrías en 3D, coleccionadas por el propio artista a través de la red y almacenadas en una tarjeta de memoria SD. Le acompaña el valenciano afincado en Londres Emilio Gomariz, que ofrece dos obras: el GIF animado SPH3R3 y Fluids, un loop abstracto e hipnótico que se reproduce al infinito.

“El Link Art Center se quedará con el 20% de la recaudación, el 8% será para la plataforma Paddle8 y los artistas obtendrán el 72%”, indica Domenico Quaranta, que se ha visto obligado a organizar el evento por la necesitad de recaudar fondos para su centro de arte, institución independiente y minoritaria, que no dispone del apoyo de un mecenas empresarial como muchas otras entidades sin ánimo de lucro italianas. “La mayoría del trabajo realizado hasta ahora ha sido financiado por patrocinadores privados nacionales o internacionales, aunque a menudo se ha podido realizar únicamente gracias a la buena voluntad y las colaboraciones gratuitas”, asegura Quaranta, destacando las numerosas iniciativas organizadas por el Link Art Center a nivel local, internacional y en la red, desde exposiciones y producciones de proyectos hasta la publicación de libros, a través del sello editorial Link Editions.
Entre las nuevas propuestas destaca el Link Cabinet, una galería online comisariada por Matteo Cremonesi, que se inaugura este mes con un nuevo proyecto de Jonas Lund.

“Sin duda, la subasta es una manera de comprobar si existe una alternativa a esta situación, pero es sobretodo un experimento que queríamos llevar a cabo, siendo ante todo personas a las que nos gusta experimentar”, concluyen Quaranta y Fabris, invitando también todos aquellos que en principio no tienen intención de adquirir nada a seguir el desarrollo de las pujas en Born Digital.

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Un artista en el banner

Por: Roberta Bosco y Stefano Caldana | 23 de abril de 2014 – Entrada original en EL PAÍS

“Jelly Ghosts” una performance de Girolamo Marri, un “hombre interfaz” en el banner de Arshake.

Iconoclasta, irónico y entretenido, Girolamo Marri emerge del banner de Arshake como si fuera un anfitrión digital. Es un hombre interfaz, cuyo cometido es empezar algo que en realidad ya está aconteciendo, así que no consigue definir lo que está haciendo y su performance se perfila como una némesis de los célebres TED Talks (“Ideas worth spreading“). Inseguro e indeciso pero a la vez contundente, Marri derrumba la sonrisa y la confianza de ponentes con “ideas dignas de difundir”. Estamos hablando de Jelly Ghosts, una performance para la red de este joven artista italiano afincado en Londres, recientemente estrenada en Arshake, una plataforma editorial online que ha transformado su banner de apertura en un espacio para la producción y presentación de proyectos artísticos específicos. El de Girolamo Marri es el tercer proyecto de un ciclo que ha contado anteriormente con las obras de Chiara Passa y Cristian Rizzuti.

Esto no es un experimento”, afirma Marri, que en realidad es un incansable experimentador de técnicas y soportes. El artista intenta definir lo que está haciendo pero no le salen las palabras, busca algo que no encuentra… una imagen en su portátil… vacila, reflexiona y continúa sin pronunciar palabra. La performance online de Girolamo Marri articulas interminables pausas, a través de 88 breves vídeo secuencias aleatorias, centradas en la virtualidad y las relaciones mediadas por las tecnologías.
Marri se convierte en un interruptor para cambiar el color del espacio, invita el público a tomar instantáneas y recomienza a dudar. Principalmente le inquieta esclarecer el significado de iniciar algo, intenta introducir unos puntos clave y toma un sorbo de agua antes de otra larga espera de algo que nunca tendrá lugar y que le acerca al presente perpetuo e interminable de El desierto de los tártaros del novelista italiano Dino Buzzati.

La performance online de Girolamo Marri se desarrolla a través de 88 breves vídeo secuencias.

Jelly Ghosts se enmarca en una serie de trabajos de Marri, que indagan cuestiones vinculadas con la comunicación y la no-comunicación, el uso de símbolos convencionales y el concepto de tiempo. Por medio del banner, el artista penetra en la esfera íntima de quien mira instaurando un contacto, que anticipa algo que debería acontecer, aunque sigue estancado en su inicio”, explica al Silicio Elena Giulia Rossi, fundadora de Arshake y comisaria del ciclo de obras para el banner.

La plataforma digital Arshake apareció en 2011 como un proyecto editorial artístico de vanguardia, que se interesa en clave tanto práctica como teórica de arte y tecnología. Fundado por Elena Giulia Rossi, en colaboración con artistas y críticos italianos e internacionales, Arshake es un proyecto integrador, que se dirige a un público amplio y ha sido concebido como respuesta a la necesidad de disponer de un espacio-contenedor, libre de estructuras burocráticas, para el arte online. “Arshake está creciendo y enriqueciéndose con muchas sinergias, iniciativas editoriales y artísticas como el mismo banner, que se estrenó el pasado mes de diciembre. Los proyectos artísticos permanecen unos dos meses y luego desaparecen, porque queremos que las obras se puedan experimentar en tiempo real y durante un periodo determinado en el banner de Arshake, como en cualquier otro espacio expositivo”, indica Rossi.

Antes de la obra de Girolamo Marri, que permanecerá online hasta el 18 de mayo, se presentó Fourth Dimension Banner de Chiara Passa, una pionera de la investigación de los espacios virtuales, que propone una reflexión sobre la arquitectura del banner y el interfaz en general.

Fourth Dimension Banner forma parte de la serie Live Architectures, instalaciones digitales e interactivas, concebidas para repensar la arquitectura. En este caso el interfaz se convierte en un medio para llevar a cabo un viaje onírico y real a la vez, donde la animación es el vehículo para acceder a la misma arquitectura del banner.
“Es una dimensión imaginaria y real de aquella zona liminal que es el interfaz, una delgada capa, una epidermis tecnológica que ha sobrepasado su papel fronterizo entre el mundo interno y externo”, explica Rossi.
Chiara Passa lleva una larga trayectoria investigando los cambios del espacio líquido a través de una variedad de técnicas, tecnologías y dispositivos como animaciones, videoinstalaciones, net.art, proyectos interactivos y videomapping, que permiten experimentar las diferentes configuraciones del espacio y de cómo evoluciona en relación al lenguaje informático y la interacción con los seres humanos.

“Los tres trabajos producidos hasta la fecha han sido elegidos por el equipo de Arshake entre los artistas que se encontraban en sintonía con nuestro proyecto y filosofía”, explica Elena Giulia Rossi destacando que de toda forma, los criterios pueden cambiar en el futuro.

“Oltre l’attesa” de Cristian Rizzuti, una intervención visual que el pasado diciembre inauguró el banner de Arshake.

El banner de Arshake se inauguró con la performance generativa Oltre l’attesa del joven artista italiano Cristian Rizzuti, que despliega una reflexión sobre el tiempo y la memoria a través de una biografía por imágenes en continua evolución. “Con Oltre l’attesa, una intervención visual en tiempo real, se pudo presenciar una investigación sobre las técnicas artísticas del pasado”, recuerda Rossi, recordando cómo este proyecto ha sido llevado a cabo en colaboración con el crítico italiano Antonello Tolve.

Ashake ha sido desde sus comienzos un generador de sinergias. Lo demuestra la colaboración con Cristian Rizzuti, que se ha encargado de la creación del logo a partir del Manifesto de Arshake, dando forma a una obra de lettering, donde las palabras extrapoladas del Manifesto se convierten en tags (etiquetas), cuyas dimensiones definen su peso y presencia en el espíritu del proyecto.
Por lo que se refiere a las producciones futuras, Elena Giulia Rossi no quiere anticipar nada porque prefiere la sorpresa, aunque asegura que en el espacio se alternarán diversas disciplinas como street art o la danza y artistas especialmente interesados en trabajar con el espacio y las dimensiones. “Nuestra intención es estimular el mestizaje y la experimentación entre lenguajes diferentes y artistas tanto jóvenes como afirmados en Italia y en el mundo”, concluye la comisaria y productora.