Recorridos creativos virtuales para una ciudad real

Por: Roberta Bosco y Stefano Caldana | 14 de julio de 2014 – Entrada original en EL PAÍS

“Golpe de Flores” de Manel Bayo transforma las fachadas de diferentes edificios de Girona, llenándolas de luz, color y sonido.

Más allá de los atractivos conocidos, existe una inesperada Girona creativa que, por segundo verano consecutivo, sale a la calle gracias a una innovadora iniciativa del Centro de Arte Contemporáneo Bòlit. La idea es acercar los contenidos expositivos al público, sacándolos de las paredes del museo, como ya se hizo el año pasado con los itinerarios sonoros geolocalizados de Viaje extra-ordinario, que se podían descubrir y escuchar a través de una aplicación para móviles. En cambio, este verano Filtres APPart se plantea como una exposición que se puede disfrutar de dos maneras diferentes: físicamente visitando las obras instaladas en la Sala Fidel Aguilar del Bòlit_LaRambla, el hall de cuatro hoteles y la vía pública, y virtualmente a través de una aplicación gratuita para dispositivos móviles.

Comisariada por Sol Riera, Filtres APPart es una exposición que despliega las obras de Manel Bayo, Bussoga (Irina Grosu y Josep Motas), Mar Serinyà y David Ymbernon, a través de cuatro recorridos creativos, pensados para redescubrir la ciudad de Girona. “Cada uno de los artistas reflexiona sobre diferentes rincones urbanos, a partir de una mirada y un estilo concretos, con la intención de atrapar aquellos detalles que a menudo pasan inadvertidos en el entorno cotidiano”, explica Sol Riera. La muestra, que se presenta simultáneamente en distintos espacios de la ciudad, se mantendrá abierta hasta finales de agosto. Sin embargo su duración puede alargarse indefinidamente a través de los contenidos que proporciona la homónima aplicación, desarrollada para dispositivos iOS y Android por IKrapps, la empresa creativa del artista e investigador catalán Kenneth Russo.
“Desde la aplicación se puede acceder a los cuatro recorridos creados por los artistas y a toda la información relativa a la exposición. Si te encuentras en Girona y quieres hacer uno de los recorridos, tienes la opción de indicar a la aplicación tu ubicación para que cuando te encuentres en un punto clave del trayecto, te pueda ofrecer la opción de ver los archivos relacionados. Dependiendo del artista pueden ser vídeos, imágenes, sonidos o textos”, añade la comisaria.

Entre las propuestas destaca Golpe de Flores de Manel Bayo, una reflexión sobre la apariencia de la ciudad, el embellecimiento de lo decadente y los diversos usos de los entornos urbanos. La obra se compone de un vídeo y cinco fotografías, que transforman las fachadas de diferentes edificios de Girona, llenándolas de luz, color y sonido. “Gracias a la aplicación puedes acceder al material audiovisual y cuando te encuentras delante de uno de los edificios, tienes la opción de ver el fragmento del vídeo donde aparece ese edificio en concreto”, indica Sol Riera.

En Murales cerámicos urbanos, Irina Gorsu y Josep Motas, más conocidos con el nombre artístico de Bussoga, “utilizan un mural de cerámica como soporte para mapear de forma irónica y juguetona seis puntos clave, representativos de lo que un turista espera visitar en Girona”, asegura la comisaria. Actualmente las creaciones de Bussoga se pueden contemplar en los murales expuestos en Girona, que gracias a la aplicación Filtres APPart, el público podrá seguir viendo cuando se clausure la muestra, tan sólo colocándose delante de las paredes donde estaban ubicados.

“Trazando el río”. Mar Serinyà moldeando la corriente de los ríos Güell y Sèquia Monar.

Mar Serinyà plantea una reflexión sobre el espacio en que se mueve el artista, presentando en el Bòlit_LaRambla cuatro series de fotografías referentes a los cuatro ríos de Girona, donde Serinyà juega con el agua para ver como el cuerpo puede modelar azarosamente las corrientes. Estas imágenes y los movimientos que conforman Trazando el río, vuelven a emerger en cada punto marcado de la ruta y en cada arroyo donde la artista ha experimentado con el medio líquido como se relaciona el cuerpo con el trazo que genera.

Finalmente El tractor calabaza de Blanc (el abuelo de Siset) de David Ymbernon propone un recorrido por Girona que transporta el espectador a su infancia, plasmando memorias pasadas a través de fotografías y pistas de audio que emergen también de manera geolocalizada, cuándo el público se encuentra en determinados puntos de la ruta.

La muestra que se presenta en un centro de arte (la Sala Fidel Aguilar del Bòlit), cuatro hoteles (Hotel Nord 1901, Hotel Peninsular, Hotel Ultònia y Hotel Urh) y seis enclaves turísticos de Girona, se plantea según la comisaria, “como un proyecto poliédrico en el cual es imprescindible la participación activa de los espectadores, ya que los itinerarios y la mirada hacia la ciudad han sido pensados para ser ejecutados, usados y cuestionados”. Y además la aplicación para dispositivos móviles, la convierte en una exposición sin fecha de caducidad.

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Complementos lúdicos y educativos para nativos digitales

Por: Roberta Bosco y Stefano Caldana | 02 de junio de 2014 – Entrada original en EL PAÍS

“Buildasound” de Mónica Rikić, un juego infantil interactivo basado en un sistema de recompensas sonoras.

Les llamamos nativos digitales, pero no es sólo por tener sus perfiles en las redes sociales rebosantes de selfies. Los niños y adolescentes del siglo XXI pueden hacer mucho más. Por ejemplo, aprender con la música y programar con código informático, gracias a las investigaciones que la artista multimedia Mónica Rikić Fusté (Barcelona 1986) ha plasmado en su proyecto Buildasound, un juego infantil de construcción de sonidos a partir de unos grandes cubos de espuma.
Concebido como una herramienta lúdica y educativa, Buildasound es un puzzle tridimensional que permite crear composiciones visuales y lograr nuevos efectos sonoros, sin ningún conocimiento específico. En continua evolución desde que fue creado en el marco del Master en Artes Digitales de la Universidad Pompeu Fabra de Barcelona, Buildasound ha participado en numerosos festivales internacionales de arte electrónico y ahora acaba de aterrizar en el Ars Electronica Center de Linz, el sueño de cualquier artista relacionado con los nuevos medios. La obra, que se quedará en el prestigioso centro austriaco por lo menos un año, ha sido escogida para la sección Soundlab de la exposición permanente, donde estará a disposición para visitas escolares guiadas y pequeños talleres.

Buildasound proporciona a los niños la oportunidad de jugar y aprender con las formas y los sonidos, a través de 25 cubos de espuma. Se trata de objetos interactivos y entretenidos, que ofrecen un acercamiento seguro y exento de peligros a la tecnología, basado en un sistema de recompensas sonoras que no plantean a los pequeños usuarios objetivos como ganar o perder. “Me interesa la idea del juego como obra de arte y el jugar como experiencia creativa, que utilizo como una herramienta más para poder acercar el público al arte. Es importante que se reduzca la distancia entre el espectador y la obra para conseguir que se valoren más las creaciones de este tipo y que la gente quiera disfrutar de ellas cuando le sea posible”, explica al Silicio Mónica Rikić que estudió Bellas Artes en la Universidad de Barcelona y aprendió programación y el uso de los microcontroladores en el Master en Artes Digitales de la Universidad Pompeu Fabra.

Buildasound reúne tres juegos distintos y relacionados con las tres caras coloreadas de los cubos que es necesario combinar para materializar figuras o crear dibujos. Estas composiciones son interpretadas por el sistema a través de las tres caras restantes de los cubos, que disponen de un código de reconocimiento destinado a ser leído por una cámara y enviado a una computadora. “Una vez que el ordenador recibe la imagen envía una señal al software que lo traduce en un sonido”, indica Rikić, que ha construido su proyecto con Pure Data, Processing y Reactivision, una aplicación desarrollada por Martin Kaltenbrunner y Ross Bencina para Reactable, el célebre instrumento musical interactivo creado por el Music Technology Group de la Universidad Pompeu Fabra de Barcelona.

“Buildasound” en la exposición permanente del Ars Electronica Center de Linz.

Más allá del prestigio de haber sido elegido para formar parte de la colección permanente del Ars Electronica Center, Buildasound, que ha sido desde el comienzo un trabajo en proceso, va a aprovechar la oportunidad para evolucionar hacia nuevas aplicaciones. Mónica Rikić, que quiere convertirlo en una herramienta de aprendizaje para muchos ámbitos, desde la programación hasta la lengua o las matemáticas, ha planteado dos vías de desarrollo: una adaptación concebida para el hogar, basada en una aplicación móvil y una versión más flexible para museos y colegios, a modo de herramienta configurable para poder asociar cubos y sonidos en base a las necesidades de cada centro. Por ello esta semana acaba de lanzar una campaña de crowdfunding en la red para continuar desarrollando el proyecto.

Especialmente interesada en el uso de sistemas interactivos para enseñar a los niños conceptos básicos de programación, Rikić organiza con Joana Moll Pequeños Robots, unos talleres cuyo objetivo es acercar la tecnología al público no especializado y en particular a los niños, para que puedan descubrir nuevos caminos y posibilidades de creación. “El taller consiste en crear pequeños robots a partir de material reciclado combinando nuevas tecnologías y materiales artesanales o cotidianos para que el espectador pierda el miedo a experimentar y crear”, explica Rikić, que en julio dejará Barcelona para trasladarse con su Buildasound en la Queensland University of Technology (QUT) de Brisbane (Australia) que le ha concedido una residencia artística, en el marco del programa European Media Artists in Residence Exchange.
En Australia, a lo largo de dos meses y a través de talleres con niños, adolescentes y público en general, Rikić dará forma a Buildacode, una herramienta interactiva para que cualquiera y ante todos los niños puedan aprender conceptos básicos de programación.

El código informático es un lenguaje artístico muy potente”, asegura la artista que esta semana (5-7 de Junio) participa en la Muestra Sonora y Visual del Convent de Sant Agustí de Barcelona, donde presenta Cup Coder y Jump, dos trabajos desarrollados junto con Lucía Seguramente para Hightech Rupestre, un proyecto artístico basado en productos artesanales, de bajo nivel tecnológico.

Arte cinético para las redes sociales

Por: Roberta Bosco y Stefano Caldana | 12 de mayo de 2014 – Entrada original en EL PAÍS

“Hungry Birds” de Voldemars Dudums fueron los primeros “pajaros tuiteros”.

Es bien conocido que el término anglosajón tweet, cada vez más omnipresente, es una onomatopeya vinculada a la afinidad sonora con el gorjeo de un pájaro. No por nada Tweety (Piolín) es el nombre del canario más célebre de la historia. Sin embargo, valga la redundancia, ¿pueden los pájaros tuitear? ¡Pueden! A pesar del juego de palabras las aves también tuitean en el sentido más contemporáneo del término, es decir envían mensajes de 140 caracteres a través de la red de Twitter. Y como los pájaros, también las moscas y las plantas, a través de perfiles controlados por robot informáticos (bots), automatizan la tarea de difundir mensajes, no necesariamente comprensibles, en el marco de proyectos artísticos experimentales.

En la red social de Twitter podemos encontrar numerosos casos de robots tuiteros. Estas ‘aves 2.0’ se remontan a una iniciativa de Voldemars Dudums, un creador de Letonia que activó un perfil muy locuaz, asociado a un teclado al aire libre con pedacitos de tocino el lugar de teclas. A pesar de que a lo largo de casi dos años los pájaros silvestres que se acercaban para picotear difundieron involuntariamente algo como cuatro mil mensajes incomprensibles a través del perfil Hungry Birds, actualmente la página oficial es inoperativa. A la espera de que Dudums regrese con su esperado nuevo proyecto, es posible bucear por la memoria de la iniciativa gracias al mega archivo online Archive.org.

¿Pero qué tiene que ver todo esto con el arte? Nos lo preguntaron muchos lectores cuando publicamos Twitter Art y la pregunta se volvió obsesiva cuando el año pasado descubrimos que también el medio ambiente tuitea, que existen numerosas plantas activas en las redes sociales (Y ahora las plantas tuitean) y que también las moscas (Una colonia de moscas mantiene en vilo los twitteros) hacen lo propio, a través de una instalación de David Bowen, que le valió incluso uno de los prestigiosos premios que reparte el Ars Electronica Center de Linz, durante el festival homónimo.
Volviendo a la pregunta, de qué es lo que relaciona todo esto con el arte, no hay que olvidar el contexto de la creatividad relacionada con las nuevas tecnologías, así como las connotaciones metafóricas y la aproximación crítica que se desprende de unas creaciones de estas características. El arte no debería ser sólo un producto comercial. El proceso creativo surge como una reacción y una aproximación estética a realidades culturales y sociales a partir de soportes reales y también virtuales, ya que “el Arte es la adaptación por el hombre de la materia sensible o inteligible para un fin estético”, tal y como afirmaba el joven Stephen Dedalus, en el Retrato del artista adolescente de James Joyce.

Ahora mismo entre los artistas que investigan las posibilidades creativas de Twitter se encuentra Anthony Prestia de San Francisco, que ha creado cuatro diferentes perfiles para llevar a cabo otras tantas tareas creativas. Great Artist es un artista totalmente automatizado, que utiliza la aplicación Become a Great Artist in Just 10 Seconds programada por Michael Brough y Andi McClure, para crear cuatro veces al día un nuevo lienzo digital que difunde a través del perfil @greatartbot. Casi un juego de estrategia, Lights Out! es en palabras del propio Prestia, el primer juego gráfico en la plataforma de Twitter.

“Cloud tweets” de David Bowen y su peculiar investigación sobre el arte cinético.

Además de las moscas de Fly Colony, David Bowen dispone de una interesantísima instalación que transmite Tuits desde el cielo, ya que su Cloud Tweets convierte la bóveda celeste en un teclado virtual que hasta el momento ha llegado a difundir más de 85 mil mensajes.

ReCAPCHAT, un proyecto del artista francés Jimpunk es una irónica y minimalista performance participativa online a través de una simple interfaz Captcha, una de las ya populares herramientas que se utilizan como sistema de control para el spam. En reCAPCHAT, cuando el usuario teclea la palabra indicada por el programa, si no ha cometido errores, verá como su contribución textual se convierte ipso facto en un mensaje que el proyecto difunde en la homónima cuenta @reCAPCHAT, una ironía que apunta al alud de contenidos redundantes e innecesarios que circula hoy en día en las redes sociales.
Una reflexión que comparten también Joan Heemskerk y Dirk Paesmans, la pareja belga holandés pionera de la escena del net.art, mejor conocida como JODI, con su SK8MONKEYS ON TWITTER. Se trata de una instalación que permite al público practicar skating sobre planchas producidas a partir teclados inalámbricos que, conectados al respectivo perfil en la red de Twitter, envían al ciberespacio mensajes incomprensibles, siempre y cuando el skater, performer o visitante que sea, apriete inadvertidamente con el zapato la tecla ‘envío’.

Una reflexión sobre este tipo de proyectos artísticos no puede no sugerir el concepto de automatismo, acciones que se repiten en el tiempo de manera más menos regular o aleatorias, y se pueden también clasificar como respuestas cinéticas que toman forma en las redes sociales. Son proyectos que enlazan idealmente con el arte cinético, una disciplina que se remonta a los futuristas de comienzo del siglo pasado y a nombres célebres como Duchamp o Calder. Estos artistas tenían mucho que ver con la relación entre la obra y el espectador. En el arte cinético la búsqueda del movimiento utiliza todo tipo de recurso, desde la acción del viento o del agua a motores e impulsos electromagnéticos. A pesar de lo que digan los escépticos, tenemos la sensación de que Duchamp habría apreciado la relación formal y el resultado final de la interacción automatizada que se genera entre un lugar lejano y su reflejo a través de las redes sociales.

“William S. Burroughs at Brion Gysin’s, Paris”, October 1979 – photo © Udo Breger en la expo “The name is BURROUGHS – expanded media” ZKM (Karlsrhue).

Twitter está plagado de robots. Sin embargo no se trata de las tradicionales figuras antropomórficas, los bots son autómatas virtuales cuya naturaleza se compone de bits y funcionan como pequeños programas que automatizan sencillas tareas como enviar mensajes.
Cuando el ZKM de Karlsrhue (Alemania) realizó The name is BURROUGHS – expanded media, una muestra monográfica dedicada a Burroughs, tuvo una cierta popularidad en la red el @BurroughsBot, algo así como una presencia activa en Twitter en homenaje al padre de la beat generation. Con su presencia @BurroughsBot mantiene viva en la red la memoria del mítico escritor retwitteando inexorablemente todo mensaje que lleve en el cuerpo del texto la palabra Burroughs.

En la misma línea existen en Twitter muchos otros bots más o menos enigmáticos como el Art Critic Bot del creador francés Éric Maillet. Por definición un “generador de criticismo artístico”, este perfil de Twitter es un programa de inteligencia artificial que realiza bajo pedido un enunciado crítico aleatorio, mediante un software que analiza los diferentes estilos y autores y los remezcla para producir un texto que oscila entre lo probable y lo paródico. Disponible también como instalación, el Art Critic Bot se presenta en el marco de una muestra de obras de arte, donde sirve a los visitantes como guía y herramienta para la reflexión.

Enunciados entre lo probable y lo paródico de “Art Critic Bot”, Éric Maillet.

Para cerrar entre los bots más inquietantes hay que mencionar On Kawara, un homenaje al homónimo artista conceptual japonés. Se trata de un bot que desde el 15 de enero de 2009 repite inexorablemente una vez al día “I AM STILL ALIVE”, un mensaje que el verdadero artista japonés solía enviar a sus conocidos a través de un telegrama.

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Las chicas del código

Por: Roberta Bosco y Stefano Caldana | 06 de marzo de 2014 – Entrada original en EL PAÍS

“Villa quitapenas” una experiencia de escenografía interactiva y una historia de bicicletas de la joven compañía emergente La Lola Boreal.

Hay diferentes formas para celebrar el 8 de marzo. Nosotros hemos elegido femCode <Arte+Mujeres+Tecnología>, una exposición relámpago de obras new media creadas por jóvenes mujeres artistas, que se inaugura hoy en la Facultad de Bellas Artes de la Universidad Politécnica de Valencia (UPV). La muestra, que se podrá ver sólo hasta el próximo lunes (domingo cerrado), es una iniciativa del Máster en Artes Visuales y Multimedia de la UPV, que aprovechando las celebraciones del Día Internacional de la Mujer (8 de marzo), ha decidido presentar algunos de los proyectos más significativos producidos por las creadoras que se han formado en los últimos siete años en el Máster AVM. Todos los trabajos, que se presentan en distintos espacios de la Facultad de Bellas Artes UPV (ver plano exposición), han sido realizados por mujeres artistas que desarrollan sus proyectos haciendo uso de múltiples recursos y enfoques tecnológicos: imagen digital, audiovisuales, arte sonoro, performance, instalaciones interactivas y proyectos online. “Son obras que pueden ayudarnos a visualizar nuevas formas de hacer en la relación entre mujer, arte, tecnología y sociedad [MATS]”, matiza el nutrido grupo de artistas y docentes del Máster AVM que ha seleccionados las obras.

La propuesta femCode <Arte+Mujeres+Tecnología> consta de dos partes: por un lado la exposición y por el otro la edición de un DVD monográfico sobre la relación MATS, que incluye entrevistas a las autoras y un apartado de reflexión teórica, realizado por los docentes.

Hete aquí nuestra “panorámica relámpago” de algunas de las propuestas más destacada, si bien invitamos todos aquellos que pueden acercarse a la UPV de Valencia a no perder la oportunidad de disfrutar gratuitamente lo que se está creando en España a través del Máster AVM, una de las principales canteras creativas de nuestros país.

En Folding Pattern la artista y comisaria argentina afincada en Valencia Cristina Ghetti y Emanuele Mazza proponen una investigación sobre la percepción, centrada en el uso de las herramientas digitales para realizar piezas que se pueden considerar una evolución del arte abstracto, cinético y óptico (op-art). Emblemático de la versatilidad del medio digital Folding Pattern es un trabajo en proceso, que se puede presentar en diferentes formatos: web, video instalación, live set o instalación interactiva.

Efecto doppler de Ana Teresa Arciniega es una instalación sonora que ofrece al usuario la posibilidad de experimentar el homónimo fenómeno acústico (tal como lo es el sonido de una ambulancia), poniendo en evidencia las variaciones de frecuencia que aparecen cuando se percibe una onda procedente de una fuente sonora en movimiento. El proyecto, que pretende explicar cualitativamente el fenómeno acústico, se puede apreciar también de forma remota, descargando el programa original en el ordenador doméstico.

Bloomsday de Andrea Canepa plantea una nueva aproximación a las monumentales 24 horas literarias de James Joyce. “La idea es proyectar cada palabra de Ulises por separado generando una secuencia cuya reproducción dure 24 horas y haga coincidir el tiempo ficticio con el real”, explica Canepa.

Aurora Diago y Miriam Esteve, miembros de la joven compañía emergente La Lola Boreal, presentan Villa quitapenas, una experiencia de escenografía interactiva que utiliza nuevos medios y tecnologías afines aplicados al teatro y la danza. “Villa quitapenas no es sólo un espectáculo de danza, es una historia de bicicletas en la que el público puede ser el protagonista”, matizan Aurora Diago y Miriam Esteve asegurando que en Villa quitapenas la danza, el audiovisual y el juego conseguirán que disfrute toda la familia.

Carolina Vallejo Martínez ha desarrollado Paint to music, una aplicación interactiva para la web, programada en Processing, que a partir de una interfaz gráfica experimental se propone establecer una interacción entre humano y computadora lúdica y al mismo tiempo creativa, por medio del gesto de dibujar. “Paint to music es un instrumento sonoro donde el usuario puede jugar a componer gráficamente el sonido”, resume la artista.

“Across the Window Pile” un proyecto de net.art de Rocío García aka Hanna Schultz.

Muchas de las propuestas de femCode <Arte+Mujeres+Tecnología> son proyectos de net.art como Across the Window Pile de Rocío García aka Hanna Schultz, que reflexiona sobre la construcción de nuevos procesos narrativos a través de la reutilización de viejas interfaces gráficas.
En cambio Loli Moreno participa con Talk_About_City, un proyecto online, que trata de la imagen de ciudad ideal, la identidad del sujeto en el espacio público y la pérdida de las relaciones sociales, para encontrar una manera de dar visibilidad a las opiniones de la ciudadanía sobre lo que pasa en su ciudad. En Talk_About_City es posible aportar respuestas a esas cuestiones a través de una web colaborativa, dirigida principalmente a los ciudadanos de Valencia. “Esperemos que dejen en un mapa virtual sus historias de vida, procurando que esa visibilidad configure otra imagen de la ciudad, distinta de la que imponen el poder político y económico”, explica Loli Moreno.

Finalmente con Brother, can you spare a dime?, una aplicación que explora las posibilidades de la re/escritura en tiempo real, Azahara Cerezo transforma las normas para los anunciantes de Facebook, en función de las variaciones de las cotizaciones de la misma compañía en la bolsa de Wall Street.

“Cronopia” una instalación interactiva de Anna Katarina Martin.

Además de estas obras, los visitantes de FemCode <Arte+Mujeres+Tecnología> tendrán interesantes sorpresas. Entre instalaciones y piezas sonoras, como las creaciones de Sara Galán o Nacarid López, hay 32 obras. Todas no se pueden reseñar en un único artículo, pero ya que la iniciativa se inscribe en las celebraciones del Día Internacional de la Mujer, queremos por lo menos mencionar todas las artistas presentes: Patricia Aragón, Magda Arques, Alejandra Bueno, Vanessa Colareta, Mercedes Cuenca, Izaskun Etxebarria, Beatriz Escribano, Blanca Giménez, Esther González, Neus Lozano, Anna Katarina Martin, Lucía Montero Sánchez de las Matas, Yasmina Morán, Esperanza Moreno, Inés Parcero, Giorgia Partesotti, Iona Pergo, Giulia Perli, Gisela Plasencia, Julia Puyo, Laura R. Moscatel y Adriana Román.

Tecnologías digitales para el arte tradicional

Por: Roberta Bosco y Stefano Caldana | 24 de febrero de 2014 – Entrada original en EL PAÍS

“PeopleArt Factory” una nueva plataforma expositiva de Pedro Cárceles Cros y Raúl Ballester Nortes.

ARCOmadrid cerró sus puertas ayer. Una semana de inmersión en la apabullante apuesta por el arte tradicional de la feria de arte contemporáneo más importante de España nos ha devuelto a la realidad. Pese a vivir en un mundo controlado por las tecnologías informáticas, en ámbito creativo galeristas y coleccionistas siguen desconfiando de las vanguardias electrónicas y prefieren rodearse de lienzos y demás obras bidimensionales. Es curioso y contradictorio, porque aunque al establishment del arte le cuesta tratar con las formas artísticas más experimentales e innovadoras, por otro lado está patológicamente atraído por la tecnología en su vertiente de herramienta indispensable para facilitar las relaciones y ampliar la difusión.
Por ello hemos recopilado una serie de propuestas y herramientas que, a pesar de no tener nada que ver con la creatividad digital propiamente dicha, se pueden considerar válidos soportes para la actividad de los artistas visuales y todos los que quieren dar a conocer pinturas, esculturas y demás obras de arte, más allá de la clásica pagina web.

La iniciativa más destacada, que se presentó durante la semana artística madrileña, es PeopleArt Factory, una herramienta alternativa para diseñar y difundir exposiciones de arte en un entorno digital. “Esta aplicación ha sido creada para que un artista o un comisario pueda desarrollar un discurso mucho más elaborado que simplemente mostrar las obras a través de un carrusel de imágenes y le permite ofrecer al público una experiencia artística más allá de los formatos web convencionales”, explica al Silicio Pedro Cárceles Cros, creador de PeopleArt Factory, junto con Raúl Ballester Nortes.
En 2013 esta nueva plataforma expositiva fue elegido finalista entre los 400 proyectos nacionales del programa UNIR Emprende y desde entonces se ha mantenido en continuo desarrollo, creciendo de manera paralela al número de usuarios del sistema. Al comienzo de la semana de ARCO los usuarios registrados, que incluyen artistas, galerías y centros de arte de ámbito nacional e internacional, superaban los 300.
Utilizar PeopleArt Factory resulta bastante sencillo e intuitivo: tan solo hay que dibujar, con las herramientas que pone a disposición la propia web del proyecto, un pequeño plano con las dimensiones de la habitación o usar una plantilla para que cada usuario pueda definir su espacio expositivo. “A diferencia de otras plataformas o de los actuales sistemas de visitas virtuales a 360º, con este sistema es el propio usuario el que crea su exposición virtual de forma totalmente personalizada” explican Cárceles Cros y Ballester Nortes, destacando que es posible configurar múltiples aspectos, como la posición de cada obra, el tipo y tamaño de los marcos, el color de las paredes, el uso de texturas, textos e imágenes de fondo.

Las exposiciones virtuales así montadas, pueden ser visitadas por el público a través de un enlace difundido en las redes sociales o incluso injertado como un objeto integrado en una página web. “De este modo, pensamos que, además de una excelente herramienta para mejorar la organización y difusión de las muestras convencionales, esta plataforma también puede ser útil para llegar a un público más amplio y de ámbito internacional. A través de colecciones exclusivamente digitales o como complemento de exposiciones físicas, las galerías de arte, instituciones y gestores culturales en general podrán producir, casi sin coste, eventos virtuales, limitados o no en el tiempo y medir de forma detallada su repercusión”, aseguran los fundadores de PeopleArt Factory, indicando que darse de alta y construir las galerías es gratuito así como compartirlas con otros usuarios registrados y tan sólo hay que pagar unos 30 céntimos diarios para abrirlas a todo el público.

“Googlegeist” en la galería Smart Objects de Los Ángeles.

Entre las propuestas online para el arte tradicional, PeopleArt Factory se ‘vende’ como la más novedosa y sin duda alguna resulta mucho más dinámica que el formato estático del célebre Google Art Project, un recurso de visita virtual que ahora empieza a popularizarse también entre los centros menos conocidos, como por ejemplo la galería Smart Objects de Los Ángeles (Googlegeist @ Smart Objects).

Muchos lectores podrán objetar, que tras dos décadas de Internet las galerías virtuales ya no son una novedad y que en estos años las propuestas más o menos acertadas se han multiplicado en medio mundo. Un ejemplo especialmente interesante es la célebre Virtual Gallery, que desde 2011 ofrece apoyo a los artistas internacionales, permitiéndoles difundir y vender de manera creativa sus obras. Todos los usuarios registrados tienen derecho a un área expositiva gratuita, que se presenta como un espacio tridimensional parecido a una sala de exposiciones tradicional, aunque no tiene las peculiaridades dinámicas ofrecidas por PeopleArt Factory. En Virtual Gallery el usuario dispone también de la posibilidad de adquirir la titularidad de salas premium, mediante un pago anual que ofrece una serie de ventajas adicionales, como el incremento de la visibilidad, un mayor número de inauguraciones, la personalización del espacio y principalmente la posibilidad de vender obras en condiciones más ventajosas y con una comisión reducida.

Para aprovechar el público virtual remoto empiezan a aumentar también las galerías que trasladan su espacio real y sus exposiciones a la red, recurriendo al uso de las herramientas digitales. Una de las inauguraciones más reciente ha sido la Galerie Bel’Art de Estocolmo, que desde el pasado verano ofrece la visita a sus muestras a través de una sala 3D donde también presenta proyectos creados ex profeso para este espacio. Por ejemplo en este periodo en la galería de la capital sueca se presenta una muestra de Öyvind Fahlström, mientras que el espacio virtual ofrece hasta el 17 de marzo una retrospectiva de obras gráficas de Max Ernst, bajo el título A collection of prints 1923 – 1976.

Volviendo a los espacios online, que se dirigen al mismo tiempo a artistas, comisarios y público en general, uno de los más populares quizás sea Curatedby.

También esta iniciativa ofrece al comisario o al artista que quiera ejercer de comisario la posibilidad de dar forma al espacio a partir de una serie de prerrogativas, aunque no pueda dibujarlo realmente como en el caso de PeopleArt Factory. Sin embargo también en Curatedby es posible definir muchas variables, como por ejemplo los juegos de luces y sombras para crear una correcta puesta en escena que realce las obras, ya sean lienzos o esculturas. La plataforma es gratuita por un periodo de tiempo limitado, transcurrido el cual se puede elegir convertirse en usuario de pago o renunciar a algunos privilegios y continuar gratuitamente como usuario básico.

ARTtwo50 una aplicación para ver como quedan las obras en las paredes.

Para concluir os dejamos con ARTtwo50, una aplicación muy simple y no muy conocida, que sin duda alguna constituye una vuelta de tuerca en la investigación sobre los espacios virtuales y el comercio de obras de arte. Nacida como plataforma para la venta de arte, ARTtwo50 funciona a través de una aplicación gratuita para iPad, que permite ver en tiempo real como quedarían colgadas en las paredes de la casa del comprador, las obras de su catálogo, de modo que éste tiene la seguridad de poder elegir una pieza que queda en sintonía con el entorno. ARTtwo50 se propone también como una alternativa de mercado para los artistas, ya que para representarles, a diferencia de las tradicionales galerías de arte, esta plataforma cobra tan sólo el 20% del precio de venta de la obra.

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